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塩田千春創作生涯最大展出 編織生命的線條

「塩田千春:顫動的靈魂」由日本東京森美術館(Mori Art Museum)館長片岡真實(Mami Kataoka)策劃,為國際知名藝術家塩田千春(Shiota Chiharu)創作生涯至今最大型且全面性的展覽,包含數件大型裝置,另有雕塑、行為藝術錄像、攝影、素描以及舞台設計及其相關圖稿等,邀請觀眾細細體驗藝術家 25 年來超過 100 件觸動人心的創作。 塩田千春《不確定的旅程》。攝影」林冠名 不在中的存在 塩田的作品以具現無形的回憶、焦慮、幻夢、寂靜而著稱,她探詢普世問題如身分認同、界線、與存在等,觸動觀者深層的情感,使來自世界各地的人皆為之著迷。本次展覽以她最為人所知,無數細線纏繞空間或物件的大型裝置為節點,企圖牽引觀者穿越無以名狀的雜緒念想,在她織羅出的維度中展開身心靈的旅程。 展覽由一艘艘懸吊半空中、以白線細密纏繞的船列所組成的《去向何方?》(Where are we going?, 2017/2021)揭開序幕,導引觀者踏上探索的路途;《不確定的旅程》(Uncertain Journey, 2016/2021)則以滿佈 300 平方公尺空間、糾纏交織的紅線表現人與人之間錯綜複雜的關係狀態,映照出藝術家內心世界;《靜默中》(In Silence, 2002/2021)來自於藝術家童年記憶中一場大火後棄置現場的焦黑鋼琴,千絲萬縷的黑線串起寂靜卻清晰的記憶與感受;《集聚─找尋目的地》(Accumulation—Searching for the Destination, 2014/2021),以紅線懸置空中、層疊遞進的大量行李箱,遙想人們懷抱著什麼生活想望而遠走他方?  塩田千春《去向何方?》。攝影」林冠名 此展覽可說是塩田長期藝術生涯所探索命題「不在中的存在」(presence in absence)之縮影,她不斷使那些不具物理存在,卻在在引動生命的事物和能量無所遁形,展覽副標「顫動的靈魂」即直指藝術家所希冀傳達,這份難以言喻卻洶湧的感受。塩田的作品與本質、普世概念的深刻連結,及其引發共鳴的特性,提供一股探問這個世界的重要力量,伴隨我們在生命旅程中找到自己的解答。   創作與生命經驗連結 展覽伊始呈現塩田一路走來的創作生涯,透過紀錄照片及影片,追溯她如何橫跨繪畫、行為與裝置藝術,進而發展成多方位的創作者。在澳洲大學作交換學生期間,她首次用身體投入行為表演創作《成為畫》(Becoming Painting, 1994),用畫布裹住身體並淋上紅色的瓷漆,自講究技巧的窠臼中獲得解放。行為藝術/裝置作品《從DNA到DNA》(From DNA to DNA, 1994)是她首度用線嘗試跳脫二維空間的創作,則為使她感到蛻變重生的轉捩點。 塩田千春《集聚—找尋目的地》。攝影」林冠名 塩田前往德國學習後,進一步嘗試身體表演的多種表現形式,行為藝術表演《嘗試.回家》(Try and Go Home, 1997)中,她赤身爬上斜坡面掘出的洞穴,滾落再爬上去,同時懷想遠方的故鄉,將無法回家的困境與自身不確定的存在,投射到作品中;《浴室》(Bathroom, 1999)是她第一件採用錄像呈現的行為藝術作品,藉由浴缸中滿是污泥的身體,表達「即便清洗也無法抹去的皮膚記憶」。 塩田的藝術實踐始終與其自身生命經驗緊密扣合,捕捉身體感知與心理狀態的隱微牽動,以其細膩感性的體察遊走於創作媒材的邊界。移居德國第三年,她以「皮膚」作為自我身分認同的象徵,而後在部分作品中她將衣物比擬為第二層皮膚,如本次展出的《時空的反射》(Reflection of Space and Time, 2018),以密密麻麻的黑線將白色洋裝與其鏡中的反射重重包覆;《內與外》(Inside Outside, 2008/2021)則以建築工地拾得的廢棄窗戶堆疊出一道牆,反思柏林圍牆倒塌後城市中人事物的轉變,同時呼應她將牆、門窗視為第三層皮膚的隱喻。 塩田千春《內與外》。攝影」林冠名 當塩田在 2017 年著手準備本展首站時得知癌症復發,此期間更加關注靈魂與身體、生與死的命題。《外在化的身體》(Out of My Body, 2019/2021)以紅色網狀牛皮連結攤放的手腳青銅鑄模,藉此與身體對話,表達身心碎裂的束縛感。錄像作品《關於靈魂》(About the Soul, 2019)中,藝術家詢問一群德國學童:「靈魂是什麼?靈魂在哪裡?是什麼顏色?動物是否有靈魂?人死後靈魂是否會消逝?」等問題,召喚我們思索存在的奧義。 除了視覺藝術創作,塩田亦跨界表演藝術,陸續為 9 部歌劇和戲劇表演擔任舞台設計,展覽中分別以紀錄片、模型和手稿呈現其空間藝術與舞台設計間的關聯。對她來說,舞台空間與展示作品的美術館是截然不同的語境框架,她特別重視表演者與舞台上裝置彼此的積極關係,例如,2011 年在布魯塞爾皇家鑄幣局劇院推出歌劇《松風》首演,她用黑網在舞台上築起一件跨距達 14 米,高度 10 米的巨型裝置,舞者們在網上或橫或縱地交錯攀爬。這類舞台設計作品匯聚了導演、表演者、編舞家的多重觀點,為其創作注入更多可能性。   藝術家簡介   塩田成長於大阪府岸和田市,現居柏林。於京都精華大學美術學院就學期間主修油畫,並於雕塑系擔任村岡三郎(Muraoka Saburo,1928-2013)的助手,期間以交換學生身分前往澳洲國立大學藝術學院(Australian National University School of Art)就讀時,開始創作裝置與行為藝術。受到波蘭纖維藝術家瑪格達蓮娜.阿巴卡諾維奇(Magdalena Abakanowicz,1930-2017)啟發,塩田在 1996 年前往歐洲發展,並先後師從行為藝術先驅瑪莉娜.阿布拉莫維奇(Marina Abramovic,1946-),以及德國藝術家瑞貝卡.霍恩(Rebecca Horn,1944-)。此後,塩田活躍於各大美術館及畫廊,也參與許多國際展覽如雪梨雙年展(2016)、基輔雙年展(2012)和橫濱三年展(2001)等,更是 2015 年第 56 屆威尼斯雙年展日本館的代表藝術家,至今總共參與了 300 場以上的展演活動。    塩田千春:顫動的靈魂 時間」2021 年 5 月 1 日至 8 月 29 日 地點」台北市立美術館 1A、1B 展間 資料及圖片提供」台北市立美術館

胡朝聖:反觀自照,是我想提出的反思

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作為一座引領大眾探索城市、思考如何邁向未來的美術館,忠泰美術館在這個全球疫情蔓延的當下,推出最新當代藝術展《殘山剩水—我們的城市失敗了嗎?》(Broken Landscapes: Have Our Cities Failed?),由胡氏藝術執行長-胡朝聖擔任策展人,邀請台灣、德國、韓國、加拿大及日本等國,包括石孟鑫、吳燦政、何孟娟、安德列亞.格爾斯基(Andreas Gursky)、徐道獲(Suh Do-Ho)、袁廣鳴、陳界仁、張立人、賈茜茹、廖建忠、利安.摩根(Liam Morgan)、豬股亞希(Aki Inomata)共12位藝術家,從五個子題回應疫情時代下,因國際地緣政治、經濟對抗、族群衝突、氣候變遷下的城市樣態。《室內》雜誌亦專訪胡朝聖老師,與讀者分享他的策展概念,以及想藉由展覽傳遞的訊息。 胡朝聖 輔仁大學大眾傳播系廣播電視組畢業,1998年於紐約流行設計學院(Fashion Institute of Technology)獲藝術管理碩士。曾任富邦藝術基金會策展人、台灣視覺藝術協會理事長、臺灣藝術大學兼任講師,現為忠泰建築文化藝術基金會榮譽董事、台灣視覺藝術協會顧問、台北市政府市政顧問、VT Artsalon非常廟藝文空間共同創辦人、双方藝廊策展人、胡氏藝術公司執行長,以及2018、2019年臺北白晝之夜藝術總監。 在2007年至2008年間,胡朝聖策劃了一檔名為「魔幻山水」的展覽,擷取中國明朝末年國祚衰退混亂時,藝術家利用創作體現對國家的關懷與憂心的精神,他們以山水畫的方式描繪出對烏托邦世界的想像,但畫中卻內含了諸多光怪陸離的現象;胡朝聖以此展對應台灣當時的山水畫走向,已非古代大山大景,而是有些許魔幻氛圍,除傳統水墨外,更延伸出油畫、針筆、粉彩等媒材。 2012年,他又策劃了「虛山幻水」一展,以科技藝術結合建築空間為主軸,強調山水畫的虛擬性和精神性,胡朝聖思考到,若山水是古代文人與知識分子對理想生活情境的投射,那他作為一位專業策展人,又該如何看待自己所生活的城市和土地?「城市」作為政治、經濟和文化的相遇之所,是一個多重的敘述之地,在彰顯主流價值的同時,卻也同樣壓抑著其他相異群體的都市體驗和生活現實,尤其在全球化資本主義的浪潮下,城市必須不斷被開發,進行利益價值的交換,導致我們的山水土地變得殘破不堪,因此,「殘山剩水」一展的雛形遂於他內心成形。 位在美術館1樓的張立人《戰鬥之城第一部:臺灣之光(模型)》。展出的模型僅為實際成品的1/9。©忠泰美術館 2020年,忠泰美術館邀請胡朝聖策劃一檔城市相關的展覽,他認為當代藝術探討的即是如何回應世界的環境,近期最直接且劇烈的現況,就是COVID-19新冠疫情,這段期間許多城市基本上都失能了,病毒讓大都市面臨封城、失業、人類大量死亡的困境,彷彿是一座一座的孤島。人類的予取予求,讓地球資源和其他物種面臨生存挑戰,掌權者或所謂的「上流人士」握有政治、經濟等資源,其一舉一動牽動著每個城市的發展,也深刻影響著人權和文化,有鑑於此,胡朝聖分別從「消失以及不可見的存在」、「破壞與重生的極致風景」、「囚禁所和寄生之處」、「他者戰場」、「明日預言的應許之地」等5個子題探討人與城市的未來可能性,透過藝術家的現地製作裝置、情境互動設計、錄像與攝影紀錄創作等多元詮釋,藉由提問打破現代性進程裡的樂觀主義,思考城市在這個高速發展的時代中所面臨的複雜處境。    石孟鑫的現地創作。他在城市角落尋找廢棄、邊陲的物件,試圖讓這些城市中的碎片成為此次作品的主體。©忠泰美術館 從現實裡反思 在「消失以及不可見的存在」中,藝術家吳燦政的《漫遊者004》透過記錄台灣的環境聲,召喚城市記憶的日常聲景,利用梯廳場域擴大觀者視聽體驗;而石孟鑫的作品《T》則巧妙運用館內樓梯下方的傾斜壁面,以熟悉的工業化現成物,測量樓梯下方畸零且壓迫的空間,呈現城市中的可見與不可見。建設與破壞被視為一體兩面的關係,都市景觀如同影像般快速幻化,「破壞與重生的極致風景」特別邀請到3件第一次在台灣亮相的國外藝術家作品,被譽為宏觀敘述者的德國攝影藝術家Andreas Gursky鏡頭下的《東京》和記錄英國羅賓漢花園社區都更前最後景象的韓國藝術家徐道獲的《羅賓漢花園,伍爾莫爾街,倫敦E14 0HG》,在在說明著在全球化與都市化下,城市空間必須不斷被破壞及重生的命運;加拿大藝術家Liam Morgan的《紀念碑》以未經許可的游擊快閃式紅色燈光,投射在曼谷曾代表權力奢華的廢棄大樓,突顯出資本與權力共謀下的時代證據。 忠泰美術館2樓展間(畫面中左為徐道獲、右為豬股亞希作品)。©忠泰美術館 而廖建忠為本展量身訂做的《離群物》與《3/2》,則是透過擬真手法,打造出美術館2樓展場通往3樓虛空的樓梯等偽日常物件,暗喻失能建物為城市帶來的傷疤,胡朝聖表示,他個人十分喜愛廖建忠的創作,藝術家擅以唯妙唯肖的裝置作品,點出隱於背後的巨大問題,例如《離群物》是以高密度泡棉製作的仿真電線與分享器,暗示著城市景致被切分得肚破腸流的一面,十分貼近空間調性和展覽主軸。藝術就像是精華液,將許多值得探討的話題濃縮並解構,再以視覺的方式呈現出來,觀看時或許無法馬上與作品產生連結,但只要深入了解後,就能和作品敲擊出更多火花,如同滾雪球般,讓深層的議題被釋放而出,造就更多的討論機會。  廖建忠作品《3/2》透過擬真手法打造一座通往上層的階梯,愈往上空間愈顯狹窄,隱喻失能建築對城市帶來的影響。©忠泰美術館 戰爭、環境變遷所引發的流離,為這個世界製造了更多弱勢階級與衍生而出的居住問題,城市亦有可能成為囚禁之所,「囚禁所和寄生之處」的子題中,日本藝術家豬股亞希《為何不給寄居蟹一個避風港呢?》系列作品以不同的城市樣貌替寄居蟹訂製透明之殼,隱喻著被迫流離失所的移民和難民問題;何孟娟的《魏斯貝絲計畫》闡述有關居住正義的課題,以影像紀錄紐約魏斯貝絲藝術家公寓裡的人事物來回應,展場中設置輪椅,邀請觀眾體驗中老年藝術家的視角。 利安.摩根的《紀念碑》。現被稱為鬼塔的沙吞獨特大樓(Sathorn Unique),曾是泰國的豪華象徵,藝術家藉由此失敗的奇景,思量權力失速的本質和謬誤。©忠泰美術館 「他者戰場」中則探討資本劃分的城市逐漸成為階級的競技場,陳界仁的《中空之地》試圖讓觀者反思人們在權力、監控宰制下的生存狀態;張立人的《戰鬥之城第一部:臺灣之光》以虛構的動畫和模型城市,演繹社會追求成功與優越的欲望投射,展現具台灣視野與特殊性的微型政治學。最後,「明日預言的應許之地」說明著人類經歷種種天災人禍後,必須重新適應新的空間密度、距離感受、人際關係等,賈茜茹的《物品命名計畫》透過提取日常物件,與觀眾交換影像和名字,將現成物件轉換為另一種展示方式;袁廣鳴的《日常演習》以俯瞰的空拍鏡頭拍攝台北萬安演習當日空無一人的城市街頭,暗示著戰爭威脅的日常化,企圖使觀眾省思人類與城市的未來,到底有哪些可能性。   德國攝影藝術家Andreas Gursky透過不斷搭乘從東京出發的列車,捕捉快速經過的城市景象。©忠泰美術館 在迷宮裡找尋自身解答 胡朝聖表示,策展是一個滾動式的行為,策展人都有一本「神秘本子」,記載許多靈感、或是可合作的對象。展覽前期他欲邀請的藝術家其實多達二三十位,但在過程中必須不停的聚焦濃縮,來回思考如何在有限的空間佈局中,使展覽面向更為多元豐富,針對本次展品安排與動線規劃,他解釋道,希望為觀者創造一種「殘破的迷宮感」,這種殘破並非指作品跟展場雜亂無章,而是企圖打破既定的身體感,讓大家穿梭於內外之景之餘,也能觸發對未來生活的思考和想像。   談及理想中的城市樣貌,胡朝聖笑說他喜愛擁有況味的老城鎮勝過高樓大廈,甚至希望可以減少馬路比例,放寬行人活動的空間,擁有完善的大眾交通系統,且大量種植樹木,讓人類跟自然環境可以和諧共生,生活盡量簡單,降低物質消費的欲望,這是他心中渴望的烏托邦。每個人心中都有期待的美好社會,胡朝聖透過這次的展覽,用創造力和藝術性表述目前世界遭遇的困境,城市的成敗與否,反映著人類文明的未來可能,這全端看我們的所作所為,也因此,若大家願意反觀自照,從自身做起,相信我們的城市會從殘山剩水走向青山碧水,成為更適宜居住的環境。 殘山剩水—我們的城市失敗了嗎? 日期」即日起至2021年4月18日 地點」忠泰美術館(台北市大安區市民大道三段178號) 資料及圖片提供」忠泰美術館、參展藝術家 採訪」陳映蓁

藝術與空間的對話 抽象藝術的先鋒者—陳道明個展

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誠品畫廊自 2010 年與藝術家陳道明開始合作,分別在 2012、2015 以及 2017 年皆舉辦過陳道明的個展,睽違三年的時間,誠品畫廊再次於 2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日舉行「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」。陳道明是東方畫會的創辦人之一,一生致力於藝術創作,更被蕭勤肯定為台灣第一位抽象派畫家,此次展覽以陳道明最廣為人知的晚期作品作為開端,一共挑選 21 幅 2000 年後的創作作為系列個展的起點。 誠品畫廊表示,此系列個展預計共會有三次的展覽,希望帶領觀眾回溯藝術家的創作生命,第一個展覽將從終點往回走,透過不同階段創作的展示,讓觀眾認識藝術家的創作歷程。《室內》特別專訪誠品畫廊總監趙琍女士以及陳道明的兒子設計師陳連武帶看展覽亮點,暢談陳道明的藝術精神如何落實於空間美學。 陳連武 城市室內裝修有限公司設計總監 出生藝術世家,父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系,並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷,養成其獨樹一格的設計風貌。為得獎經歷涵括全球四大設計獎(德國 iF 設計獎、德國 red dot 紅點設計大獎、日本 G-mark Good Design Award、美國 IDEA 傑出工業設計獎)的台灣室內設計師。  趙琍 誠品畫廊執行總監 於1980年代投入畫廊業,在累積逾40年之專業經歷期間,致力經營華人現、當代藝術之優秀創作者,並以卓越前瞻的眼光發掘和推廣海內外傑出華人藝術家,包括蔡國強、徐冰、劉小東、展望、蘇旺伸、林明弘、黃海昌、謝素梅,以及年輕藝術家如陸亮、賴志盛、林彥瑋等,均具備豐富的國際展覽經歷並為其建立了廣泛的收藏族群。   與藝術家的緣分 誠品畫廊與陳道明的合作其實源於兒子陳連武的積極促成,陳連武認為父親的畫作應該被更多人看見,在多次拜訪誠品畫廊總監趙琍女士後,誠品也成為唯一代理陳道明作品的畫廊。在2012 年舉辦的第一次個展中,陳道明曾和兒子說:「我的畫作有一種回到家的感覺。」這句話讓陳連武至今仍印象深刻,覺得身為兒子的他為父親作了一件對的事情。 陳道明在 2017 年離開人世,此次的展覽不同於以往,不是與藝術家本人接洽,而是透過他的兒子陳連武聯繫,陳連武說:「與誠品多年的合作中,他看到誠品對藝術家的尊重,不會以商業角度侷限藝術創作。」所以對於展覽的規劃安排他十分信任總監趙琍,在導覽的過程中,他也再次感受到誠品的用心,不管是畫作的選擇、順序與動線的安排、場地的設計到畫作的擺設等,也讓他再次透過不一樣的角度重新細細品味父親的畫作。   展覽的梳理 陳道明的作品大多都是無題,而展覽的第一幅作品選擇了少數有命題的畫作〈土地公 土地婆〉。總監趙琍表示,這幅畫作與其他 20 幅畫作除了相異之外,更存在一種矛盾感,也是唯一一個有人在內的具象代表,同時畫作的名稱意外的讓人覺得有種安定的感覺,所以初期討論時就決定將其作為入口的首幅展示,作為開端同時引導觀眾的動線。而展覽的壓軸作品〈201631〉更是展覽的一大亮點,因為畫廊空間不像一般的美術館,樓高、尺度都較微侷限,為了讓畫作之間不互相影響,所以有些畫作需要單獨擺放,〈201631〉就是如此。 〈201631〉是陳道明生命階段倒數的創作作品,從畫作中可以看到其對自我內在追尋與探討所寫下的結語,自幼學習水墨畫、油畫、到後期西方抽象繪畫,作品表現出陳道明一生的創作能量,具有十足的視覺張力,所以規劃在展覽最後的空間中,同時跳脫畫廊白盒子的概念,為〈201631〉量身打造展示間, 背景透過與作品相呼應的綠,並在前方擺放了一張長椅,讓人們轉折進入空間、心境沉澱後,與畫作做進一步的交流、對話。   而陳連武身為室內設計師,向來積極落實空間藝術化,不同於大多設計師,陳連武在進入設計階段前就會先挑選好畫作,許多業主也因為他的推薦而首次踏入畫廊。因成長背景的養成,陳連武深受父親的影響,對於藝術品的認知更為嚴謹、尊重,他認為,藝術品不該作為空間的附屬品,不該被當成裝飾、擺飾品,不能有著隨時要替換的想法,所以在他的案子中看不到吊畫軌道以及吊掛線的設置,他強調,設計師對於藝術品價值的定義,會進而影響設計的高度,所以當決定擺放的畫作後,才會開始討論牆面的顏色、材質,畫作前方的擺設以及動線等,均不能影響藝術品本身。 總監趙琍也十分認同陳連武的設計觀念,她談到,裝修設計會隨時代的演變過時,且可以持續更換,但藝術品卻是永恆的,藉由藝術品去延伸空間設計,可以讓藝術品更有意義。陳連武更進一步指出,燈光也是藝術品與空間重要的橋樑,透過均勻照明打量主體,再以局部重點光突顯,避免燈飾形成的陰影影響畫作,讓畫作如同在畫廊展示般,在室內空間中成為和諧且亮眼的存在。   觀眾常為陳道明在色彩和技巧間的掌控度感到懾服,沈溺在其韻味之中。但對陳道明而言,他的重點在於創作的過程,他曾說:「作品的意義是心靈意識活動的一種記錄,原則上是抽象的,我在表達內在生命意象的過程中,盡量不受任何干擾,以求達到沒有結論又有結論的境界,美的醜的,本身即是獨立完整的生命,我只不過用我的語言把感覺訴諸畫面而已。」這也是陳道明在創作晚期一直堅持的理念。2020「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」透過誠品畫廊的重新梳理,將帶領觀眾再次品味藝術家陳道明的創作能量。   展覽資訊 抽象藝術的先鋒者——陳道明個展 日期」2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日 地點」誠品畫廊|台北市信義區菸廠路 88 號 B1(誠品生活松菸店) 開放時間」週二至週六 11:00-19:00(週日、週一休館) 資料及圖片提供」誠品畫廊  採訪」歐陽青昀

P&T 柏林選茶 x 分子藥局:有機茶特展

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由瑪黑家居獨家代理,來自德國的 Paper&Tea 柏林選茶(P&T),與有最美藥局之譽的台中分子藥局,合作策劃 「P&T Teaology :What's in your cup ?  這批比較純 有機茶特展」,以 Teaology 為主題,透過五感巡遊,以視覺畫面、故事、觸摸、嗅聞茶香和品飲茶品,將世界最原始的茶風貌和有機茶的檢驗準則,帶進我們的日常生活中。在後疫情時代,我們都需要純一點的,幫我們延長生活中的戰鬥力!  Paper and Tea 發跡於德國柏林,由一生都在喝茶、被歐洲媒體稱為「茶大師」的 Jens De Gruyter 創立,在經營茶事業的叔叔影響下, Jens 自小就是個茶的狂熱者,更透過旅行,踏遍多個擁有悠久茶歷史的亞洲國家。 ​在一步一行的味蕾旅行中,行經日本京都、南非開普敦、喜馬拉雅山、肯亞、斯里蘭卡、巴拉圭等地,透過各地最原始最美麗的茶葉採集,摘取下茶飲的迷人優雅之處。更在 P&T 將獨特的茶文化結合藝術外觀,以充滿視覺衝擊的感官印象,延續每一款茶令人驚豔的個性風韻。   以紙為界 邀請觀者茶的感知世界 拆解品牌名稱 Paper & Tea ,即為「紙」&「茶」,這兩者不僅皆源自千年前的中國,亦是推演人類文明發展重要的媒介,策展特別選用大量紙材作為觀展介面,並選擇與分子藥局合作,有別於一般藥局冷硬制式的刻板印象,呼應以感性美學為訴求的空間設計,展覽特別以文藏館的設計寓意氛圍呈現,在分子藥局 2 樓規劃主題展區。 茶色幻燈片 展區以「純」為概念,「Teaology」為軸心,透過輕鬆的文字輔助說明,與體驗式互動佈展巧思,鼓勵觀展者自在隨性地探索每一個角落,引領感官進入茶理性和感性並存的感知世界。   走進分子藥局,沿著旋轉樓梯上至 2 樓,展區分為「品牌介紹:純有機」、「包裝設計:茶的故事」、「純草本、純滋味 」和「茶的分子方程式」4 個區域,從每年台灣人均茶飲飲用量和進口茶葉現況、世界有機認證準則,介紹到世界潮流的調和茶及草本茶。從「 觀 」茶的理性面,與我們一起舒展五感、慢慢沈浸於茶的感性面。 分子藥局 2 樓主題展區空間 四大展區介紹 ▸品牌介紹、純有機 由品牌logo設計為靈感始源,利用摺紙和鑲嵌設計,打造出純白的結構紙磚牆面,透過牆面上的圖文,逐一陳述 P&T 柏林選茶創辦人親自走訪世界各地莊園小農的茶旅故事。 另一側,長條掛軸則分享 P&T 在有機製茶的歷程,掛軸前一落落宛如檔案櫃的紙盒,內部分別收藏著茶葉樣貌與茶色的幻燈片,觀展者可以親自開箱檢視 P&T 通過歐盟和台灣兩地有機認證,對茶最嚴格的檢驗和品質要求。 ▸茶的故事:包裝設計 相較前一個主題展區的簡約,此區則展現 P&T 源自柏林自由、個性的設計血液,繽紛的立體紙磚堆砌成的彩牆,是來自茶罐上的包裝用色, P&T 調製每一款茶的背後,都有一個想像故事,以對某一段文化來表達敬意 ; 而茶罐設計融入柏林藝術靈魂與玩味態度,以幾何與光影為靈感,搭配復古插畫與色彩,描繪出每款茶葉的風格故事,在此,你可以翻讀、沈浸在茶的故事中。 ▸純滋味、純草本 方格層架上展示了 20 多款 P&T 的調和茶與草本茶,層架由上而下,分別展示每一款茶的包裝和其茶葉樣貌,向下,則配置相對應的茶盤,茶盤上承載了每款茶的調配、靈感故事、風味特徵,並展示盛裝茶葉的透明玻璃皿,你可以自由抽取茶盤、讀取與嗅聞茶香,發掘最合你的「味」的茶款。最後,各式現代沖茶和飲茶器具的陳列,鼓勵大家以最愜意的方式喝好茶。此外,你會發現,層架擺放的裝飾紙箱上,還貼著遠自柏林飄洋過海來的郵遞資訊,為展覽增添趣味。   ▸ 茶的分子方程式 製茶是理性的學問,但浸泡出感性茶飲情緒。撫緩情緒的茶氨酸,與提振精神的咖啡因,看似對立的兩種物質,在一杯茶中又能完美協調共存,讓我們以科學佐證、直覺感知輔助,解構茶的分子結構並透過茶色記憶瓶,說明茶何以令人如此著迷、上癮。 展覽資訊  P&T 柏林選茶  Teaology : What’s in your cup ? 這批比較純  有機茶特展 時間」即日起至 2021 年 1 月 6日 (三) 地點」Molecure Pharmacy 分子藥局(台中市西屯區惠來路二段236-1號)   資料及圖片提供」P&T 柏林選茶 編輯」林慧慈

SOS!粗獷主義建築展

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《SOS拯救混凝土之獸!粗獷主義建築展》由忠泰美術館與德國建築博物館(DAM)共同籌劃,以德國 2017年展開的同名展覽為基礎,是首度對1950至1970年代全球粗獷主義建築進行調查,並提出搶救保存倡議的國際展覽。本次台北作為亞洲首展,由原策展人 Oliver Elser 與實踐大學建築設計系主任王俊雄老師共同擔任策展人。   粗獷主義(Brutalism),源自法文術語「béton brut」,亦即清水模,最初興起於1950年代的英國建築界,建築大師柯比意(Le Corbusier)即是此種建築風格的先驅之一,而後在全球化的影響下,作品竄生於世界各地。其狂放未經修飾的外觀及裸露的結構體,是粗獷主義建築極富表現力的風格特徵,亦是屬於二戰後百廢待興,社會動盪不安與實驗精神興起的體現。 波士頓市政廳-歷史照片 © Bill Lebovic 1981   展覽含括全球13個區域及5項主題,自歐美、亞洲至非洲各地都能看見粗獷主義混凝土之獸的身影,它們融合了各地的風土民情,將粗獷主義在地化,發展出形狀各異的姿態。本次展場中,除了以大型模型展出全球精選案例外,同時也會以24座水泥模型、3座3D列印模型、明信片等呈現更多粗獷主義的樣貌。展場設計中更首次使用不同顏色的路徑線條,讓觀眾探索案例之間的關聯性。 2 樓展區以全球 13 個地區、5 項主題用線索展開探問 © 忠泰美術館 粗獷主義在台灣 忠泰美術館為深化在地的視野與論述,新增 6 件台灣在地粗獷主義建築案例研究。包含陳仁和建築師於1960年代設計的高雄市私立三信家商波浪大樓,分別以1:20與1:50的兩種模型尺度呈現波浪型結構全貌與設計細節。其他案例還包含:新北市私立天主教聖心女子高級中學、原中央研究院美國研究中心、台北醫學大學、公東高工聖堂大樓、高雄市文化中心。 粗獷主義亞洲首展,特別規劃台灣展區 © 忠泰美術館    台灣案例的研究成果,不僅體現出台灣建築文化與全球的扣連,亦反映台灣戰後社會的真實寫照。展覽主視覺採用從三信家商畢業紀念冊裡發掘到的歷史照片,紀錄了剛竣工的波浪大樓與校園師生,畫面所蘊含的時代象徵,具體呈現了建築與人、社會、時代之間不可切割的關係,更呼應展覽聚焦於建築與人之間關係的本衷。   策展人王俊雄也強調:「台灣粗獷主義發展於1960年代左右,本展是一個讓我們學習如何對於全球性文化現象,進行重新定位、反思以及理解的機會。粗獷主義除了給我們帶來了焦慮和困擾之外,也給我們帶來機會和未來。」   三信家商波浪大樓-畢業紀念冊歷史照片 © 國立台灣博物館 SOS!粗獷主義建築保存 然而,歷經時代更迭,粗獷主義建築在當今社會,常被譏為醜陋或過時的技術,或者由於年久失修、維護不易而面臨被拆除的危機。原策展人 Oliver Elser在2015年時便發起「SOS Brutalism」運動,並藉由本展於歐洲巡迴喚起大眾對此時代的建築的關注,展開搶救倡議運動。   伯明罕公共圖書館-現況 © Jason Hood 2016 Oliver Elser在開幕時影片表示:「粗獷主義的興起,幾乎是所有國家重啟的時間點,那是一個充滿實驗性的時代,無論建築成功與否,都不應持續摧毀這些建築,我們應該探討保存建築遺產的方法,將新生命帶入舊混凝土中,思考未來。」   而瀕危的混凝土巨獸亦存在台灣,如原中央研究院美國研究中心,由於用途更改,原先建築核心的階梯式禮堂目前僅作為書庫;高雄三信家商波浪大樓與聖心女中也因維護不易,需要大眾多加關心。 原中央研究院美國研究中心-歷史照片© 國立臺灣博物館 除了實體保存,策展人亦希望將粗獷主義建築背後的歷史與社會脈絡介紹予下一代,藉由忠泰美術館自 2019 年開始籌辦「建築教育工作坊」,展開跨時一年多的校際合作,與中原大學、中國科技大學、淡江大學、實踐大學、銘傳大學、台北科技大學等 6 所大學建築設計系近 70 位師生攜手合作,製造 6 件巨大模型呼應主題「混凝土之獸」的魄力,不僅讓全球性的視野內容更添完整,更透過實踐與交流,建構一個提供更多的世代交流的平台,並持續累積思考未來設計、城市建築規劃的智庫資源。   三信家商波浪大樓-展場大模型 © 忠泰美術館 展覽資訊 日期」2020 年 7 月4日至 11 月1 日 地點」忠泰美術館(台北市市民大道三段178號) 詳情請洽展覽官網|http://jam.jutfoundation.org.tw/exhibition/2260 資料及圖片提供」忠泰美術館 編輯」林慧慈

不只是圖書館 新空間亮相

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由台灣設計研究院營運的「不只是圖書館Not Just Library」,歷經多個月的搬遷與修繕,已於7月1日正式對外開館。新空間進駐松菸北側澡堂,由屢獲國內外大獎柏成設計、太研設計操刀,地理位置更加深入老菸廠,神秘澡堂半世紀以來將首度亮相,延續「不只是」的跨域概念,除了閱讀書籍,更聚合設計相關的展覽、講座、實驗等,以「泡書」為號召邀請讀者沉浸閱讀、發散思考,容納各種多元的可能。   書澡堂 實驗性閱讀場域   此次空間改造由柏成設計團隊與景觀設計師吳書原共同打造,以書籍、氣味、植物與陽光構築實驗性的書澡堂,戶外花園則成為沉澱心靈的文化場所。 空間一分為三,「BOOK BATH 泡書區」延伸古蹟原先的澡堂意象,打造環書圍繞的下沉式閱讀區域,成為浸泡知識的書池,不同於以往圖書館的大張桌面,以書籍堆砌排列成的階梯式座位,更能輕鬆享受閱讀與交流,中島則作為書籍擺放、展品呈現的延展式平台。 「BATHHOUSE 澡堂區」可說是空間的一大亮點,留存日治時期的通風天井、花磚、窗紋等歷史痕跡,弧形老式窗戶灑落的陽光與戶外植物相互照映,位居中央的半圓形澡池,成為容納各種想法與思維存在的容器,未來將透過各路策展思維,匯集書籍、設計、體驗的多元可能。   帶本書去戶外 「BREATH 戶外花園」成為不只是圖書館深呼吸的新空間!原為松菸澡堂對外的天井,地底下的熱水配管從鍋爐房加熱輸送至此,如今搖身一變為成為想法呼吸、心靈放鬆的戶外閱讀區,與書籍和清新植物為伍,讓人心曠神怡。   2020年度新票券 不只是圖書館每年皆以年度票券為載體拋出議題與思考,作為溝通與發聲的媒介,今年度由洋蔥設計操刀,回應新空間的浸泡概念,帶領讀者行為復刻、沉浸書海,展開書後卡計畫,票券延伸為來自16位不同領域創作者的推薦人書單,接下來也將陸續揭曉各種意想不到的神祕跨界推薦人。   不只是圖書館Not Just Library 營業時間:週二至週日10:00-18:00(週一及國定假日休館) 地址:台北市信義區光復南路133號(松菸口) 票價:全票80元、學生票60元、月票500元 資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」陳映蓁

台中「縫隙」特展 想像紙的無限可能

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台中市纖維工藝博物館推出全新概念的【APERTURE 縫隙——紙的無限想像】特展,與鑽研紙藝深厚的 FENKO 鳳嬌催化室合作,連結工藝、科技、文化、藝術、建築等領域創意人才,以當代語彙翻轉博物館策展學,期待突破大眾對於「紙」的既定印象,並共同想像紙藝未來。   纖維工藝博物館為台中首座市立博物館,亦為全國第一座以纖維為主軸的博物館,自開館以來每年選擇一個重要的纖維原料策畫特展,今年更與FENKO 鳳嬌催化室攜手,期待跳脫傳統展覽框架,同時兼顧與地方民眾溝通、教育。 微觀縫隙 此次展覽以「縫隙」命題,暗示著纖維之間的「縫隙」,能夠包容氣流、光影,以及一切微觀世界裡的細小分子,也是容許各種可能性萌發的空間所在,因縫隙而有變化新生的可能。展場區分為「Embryo | 胚胎」、「Childhood |童年」、「Adulthood | 成熟」三大區塊,將紙張的不同階段與人類的生命經驗交織呼應,以藝術手法重新詮釋。   甫入場的「Embryo | 胚胎」區、以藝術裝置「紙纖林影」回歸紙張生成前的纖維原貌、觸發生命初始的細膩五感經驗;「Childhood | 童年」區則以揉皺紙感形塑時空隧道,引觀眾回顧流轉千年的紙藝之美,不僅擺放古今許多與人們生活息息相關的紙製品,更邀請來自美國麻省理工學院MIT Media Lab的聲音藝術術家紀柏豪,為特展量身打造了結合紙材與聲音的互動裝置,讓觀眾親身體驗質材共振,觸發個人關於紙的聲響記憶。 藝術術家紀柏豪之作品,結合紙材與聲音的互動裝置。 顛覆與新生 「Adulthood | 成熟」則展演當代紙材的多元角色,並期待顛覆大眾對於紙的認知,過往被視為脆弱的紙材,竟也能成為文化保存的重要利器。展場全區懸掛墨黑透光機能紙材,營造神聖的儀式感,並使用無酸紙材包裹、保護樹火紀念紙博物館提供的各式紙類珍藏,包含魏晉時代的紙文物、乾隆皇帝御用紙,乃至近代台灣傳統紙童玩等等文物。   展覽動線末尾則以當代藝術家王鼎曄的作品作結,催生大眾對於紙材的想像,巨大環形燈具氤氳出未來與超現實感,使用鳳嬌催化室研發,可久浸而不腐的「紙紗」,打造具有詩意的藝術裝置,讓紙在水中自由舞動。   策展單位鳳嬌催化室表示,展覽並不試圖定義、介紹「紙」,而是藉由喚起大眾對於紙的記憶,在萬物數位化的時代,共同想像紙的未來。自縫隙裡所窺見的世界,不存在過去、現在、未來,解構時間與文明之框架,令紙張這項既古老又創新的素材,得以繼續與時代前行,開展變換無限可能。   藝術家王鼎曄作品「紙裳」 展覽資訊 日期」2020 年 7 月 1 日至 11 月 1 日 地點」台中市纖維工藝博物館(台中市勝利二路1號)   資料及圖片提供」FENKO 鳳嬌催化室 編輯」林慧慈

北美館 X-site 《膜》創造奇幻感官體驗

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〈2020 X-site《膜》─ 多重真實〉6月13日起於台北市立美術館戶外廣場展出,本次展覽作品《膜》為第 7 屆北美館 X-site 計畫首獎得主「何理互動設計」所創作,創作概念以「人的感知」作為出發,讓觀者移動於環繞交疊的空間中,產生出空間的認知錯覺。 該作品以此挑戰大眾對於公共空間的預期和想像,並回應本屆X-site「多重真實」(X-Reality)的徵件命題:探索真實的過程需要持續的交互參照。 而除了日間觀賞體驗外,每週六自 18:30 起還有搭配燈光照明的夜間體驗,將為觀者帶來全新的空間理解與奇幻感官經驗。 探索旅程 顛覆觀者的感官認知 《膜》( Through the membrane )是一個多層次環繞裝置,由 67 片偏光片所組成,直徑 14 公尺、高 2.9 公尺,獨立於美術館的戶外場景,它無法被立即認知地存在著,誘使人必須入內走動、探索之後,才能理解其為何物。展覽現場更提供偏光片借用,讓觀眾在眼前把玩實驗;大廳禮品店另有販售偏光眼鏡,當觀者戴上它遊歷《膜》時,彷彿被賦予了特殊能力,得以窺探《膜》分子般的微觀世界,搖晃走入其空間維度,感受也將更為放大。   空間是一種透過感知形成的經驗,人們藉由感官去觀察、感受空間中的光影,進而定義出空間樣貌。而《膜》卻是藉由偏光片(Polarizer)的特性,改變光線在空間中的穿透方式,更因《膜》多層次的環形設計,阻隔了開放空間與裝置體,強化了內外觀看的參照,讓觀者穿梭在層層包覆的裝置體內,逃脫了傳統建築空間的限制以及人類既定的感官經驗。 觀者在「穿膜」的過程中,雖身處在環繞邊界,卻彷如遁入迷宮。空間不斷變動,邊界時而顯現,時而消失,「何謂真實」也成為探索過程中的反覆探問,而全新的感受將隨之內化轉為身體經驗,進而對空間有新的認識與想像。   設計╳藝術╳科技的跨界共創 以實體裝置跳脫想像 何理互動設計(WHYIXD)作為台灣少數的跨領域裝置創作團隊,擅長光影與機械動力創作,2011 年由葉彥伯、魏子菁、莊杰霖三人所共同設立,在「共創」(Co-Creation)的概念下,吸引來自藝術、設計、建築、工程、機械、資訊等多元領域的成員陸續加入。何理團隊在創立初期即展露頭角,2013 年曾為《劉德華 ALways 世界巡迴演唱會》量身打造大型舞台裝置,為亞洲首次將大型升降設備運用於演唱會。 何理互動設計團隊照。 何理作品最大特色來自團隊成員的共同創作,整合彼此的多元觀點與視角,藉由一次次的新媒材實驗及探索,合力完成獨特的實體裝置,讓每一次創作都充滿驚喜。何理創作範圍廣闊,涵蓋藝術節、燈節等藝術與觀光節慶活動,也有來自公共藝術創作或是企業委託的商業空間創作及演唱會特效燈光設計等。如 2018 年於交通大學首次發表的《觀月計畫 #define Moon_ 》,以具實驗性的創意手法呈現月亮圓缺身影,將無法捕捉的天文現象化為真實上演的奇景,該作品於 2019 年為 798 藝術園區永久典藏。 藝術發光 科技媒材創新的100種可能 偏光片的特性是可以將各種不同方向的光源,過濾成為單一方向的光。《膜》以偏光片作為創作主要媒材,讓觀者在「穿膜」的過程中,光線隨著偏光片的特質達成不同程度的穿透,在《膜》裡面產生許多看似實體的邊界,以及存在和不存在的曖昧空間。   偏光片是光電材料的一種,從產業應用而言,偏光片是 LCD 液晶產業的關鍵零組件,被廣泛應用於電視、平板電腦、智慧型手機及筆記型電腦等產品上。本次展覽作品《膜》的創作媒材由台灣偏光片大廠—誠美材料科技股份有限公司提供,當科技媒材遇上藝術創作,何理團隊藉由實驗及探索的雙重精神,巧妙地運用偏光特性,使其幻化為開啟群眾全新感受的媒介,也藉由此次「科技╳藝術」的跨界應用,讓科技媒材跳脫既定的使用框架,挖掘更多科技藝術的創新可能。   《膜》是何理歷年創作中唯一的靜態作品,也是第一件臨時建築裝置,雖然沒有以往的電子控制,但還是屬於以電子媒材製作的新媒體藝術裝置,進化之處在於如何把電子材料運用至建築尺度,在高精度與大尺度之間尋找出絕妙的平衡點。對何理而言,本次《膜》創作的狀態就是一個再參照現實的過程,從可能的假設到現實的驗證,修改再修改,目的是為讓觀者透過「移動」、「擺頭」等微妙的動態,來感知身體與裝置之間的變化,而藝術的發生就在那改變的瞬間。   展覽資訊 日期」2020 年 6 月 13日至 8 月 9 日 地點」台北市立美術館戶外廣場(台北市中山北路三段 181 號) 資料及圖片提供」台北市立美術館   編輯」林慧慈

「365°」尤傑尼歐 超現實攝影展

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西班牙藝術鬼才尤傑尼歐(Eugenio Recuenco)耗時 8 年時間,在一個長 2.5 公尺X寬 3 公尺,手工搭建的小房間裡,創作出 365 幅攝影巨作,並以日期命名為「365°」系列。 風格採超現實主義美學,以獨特陰鬱的色調呈現,議題涵蓋社會事件、哲學、歷史、娛樂等,也向經典藝術致敬。「365°」系列不僅是尤傑尼歐最富盛名的作品之一,更在時尚攝影界捲起奇幻美學巨浪,今年夏天將由聯合數位文創引進台灣,在台北華山文創園區打造奇幻攝影光廊,是暑假最具時尚感的影像藝術展。 西班牙鬼才攝影師 尤傑尼歐接受過馬德里康普頓斯大學古典繪畫藝術訓練奠基,善用乖張詭譎的奇幻美學,將滿幅故事濃縮在一張影像創作上,讓視覺穿透媒材,形塑磅礡的光影史詩,揉合藝術與時尚,展現精緻的敘事影像。 他獨特優異的創作能力,不僅讓他成為 VOGUE、GQ 等時尚雜誌御用攝影師,更為時尚品牌 Diesel、Nina Ricci、YSL等時尚品牌拍攝廣告,是時尚圈炙手可熱的鬼才攝影師,多次榮獲廣告最高榮譽坎城金獅獎-最佳攝影獎殊榮,同時在繪畫、藝術以及影視領域獲得成就,作品收入於倫敦 Somerset House、柏林 CWC Gallery 等世界美術館、藝廊中,是西班牙超現實攝影美學的代表人物。 超現實攝影藝術家尤傑尼歐 沉浸式攝影光廊 尤傑尼歐「365°」系列攝影作品,共與 120 位模特兒、300 位專業造型團隊合作,在手工佈景、美術、服裝、光影呈現等,都有極高的藝術層次展現。此次展覽精選近 170 件作品,透過長寬約 1.3 公尺的大型燈箱呈現,錯落堆砌而成震撼人心的牆面,打造光影長廊,完整呈現畫面的立體與深度,也讓消費者可以細細品味攝影師透過影像傳達的每個細節。 展覽以尤傑尼歐「創作無設限」的核心,現場打造 10 間特色攝影棚,1 : 1 還原尤傑尼歐的專屬超現實空間,將攝影鬼才腦海中的奇幻宇宙真實還原,每個人都可以走入作品中,在有空間內揮灑無限創意,一秒拍出時尚封面照。 攝影作品照 主辦單位聯合數位文創表示:「於國外展示時,亦有不少創意美妝或時尚、藝術工作者,會特意在造型上做特殊妝扮,在展場拍攝另類的奇幻照片,讓民眾可以參與影像創作,突破空間的限制,自由拍出屬於自己的時尚大片」。 本次展出作品刻意不詳盡闡述創作,為作品保留民眾自由詮釋的空間,無法來台的尤傑尼歐特意為展場錄製了概念影音,他表示作品中呈現的監禁隔離樣貌,正巧呼應目前全球疫情氛圍,期待民眾能觀賞作品之餘,也可以想像當事件過去,用未來的角度觀看現況的心情,並且也能看見更美好的寓意。 展覽現場照「奇幻攝影棚」 展覽資訊 日期」2020 年 6 月 24 日至 9 月 13 日 地點」華山 1914 文化創意園區東 2C 館(台北市八德路一段1號) 資料及圖片提供」聯合數位文創 編輯」林慧慈

賴志盛「接近」 俯瞰北美館風光

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台北市立美術館發表全新年度計畫「接近 Closer」由藝術家賴志盛操刀製作,於 2020 年 6 月 25 日起正式開放。邀請觀眾親臨想像的「池畔」巡遊,倚欄佇足高懸的棧道,以往下眺望的視點,俯覽北美館挑高大廳的一池光景。   賴志盛 1971 年生於臺北,曾為 1990 年代是觀念藝術團體「國家氧」的成員之一,至今具有多次重要國際參展經歷,曾受邀參與 2016 年愛知三年展、2015 年里昂雙年展與 2012 年倫敦海沃美術館等大型展覽。獨特的創作語彙圍繞在人造場所、環境與人之間的關係,賴志盛擅長創造帶有場域屬性的非典型日常現實,以極簡的手法介入空間改造,提供觀者關注周遭環境,以及敏銳探索微觀感知經驗之機會。   接近 Closer 此次空間計畫名為「接近 Closer」,賴志盛以「繞樑,接近光與風一些」的概念介入空間,將北美館大廳視為一個池子,沿著 3 樓迴廊的邊緣延伸製作高低不一的平台。靈感來自鳥禽於高處築巢,在特殊的位置打造生存空間;又或是教堂在樑柱或高牆上搭建通道,通往懸在高空的小空間,成為講道或祈福之所,提供人們精神的慰藉。而賴志盛的平台,則提供俯視大廳空間、也是光與風來源的視野;促使觀眾產生踮腳或跨越的動作,進而對這原本存在但卻長期不被注意的空間,產生嶄新的感受。   賴志盛以其在英國倫敦海沃美術館「無形,不可見的藝術」聯展中展出的「原寸素描」為基礎,然而在此並非以素描勾勒線條,而是進一步由觀眾接近橫樑或繞過柱子等移動的方式取代鉛筆,行走出建築空間的線性輪廓,以隱性的方式反向強調出建築本身,呈現藝術家獨樹一格的翻轉思考模式。   藝想迴廊是位於北美館 3 樓獨特的空間,開放流動的場域特性有別於正式展間的白盒子空間,北美館館長林平指出:「藝想迴廊是一個為了觀眾而存在的空間,探討建築、空間、與人之間不同語言巧妙的相聚,提供民眾參觀美術館時沉澱、互動與交流的場所。觀眾在此不只與藝術相遇,也與自己相遇。」賴志盛的「接近」是一個具有挑戰性的計畫,聚焦於空間的存在性,並企圖重新喚醒觀眾探索周遭環境的能力。   展覽資訊 日期」2020 年 6 月 25 日至 2021 年 6 月 6 日 地點」台北市立美術館 3 樓藝想迴廊(台北市中山北路三段181號) 展期中相關活動資訊,請至 台北市立美術館官網 查詢。​ 資料與圖片提供」台北市立美術館 編輯」林慧慈