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傳遞真實的建築 Álvaro Siza 在台作品回顧

葡萄牙建築大師阿爾瓦羅 ‧ 西薩(Álvaro Siza) 作品以簡潔細歛的建築語彙、精巧光影運用,以及親合地貌環境、文化的設計核心,成為公認的經典,曾獲 1992 年普立茲克建築獎、2002年金獅獎及 2012 年金獅終生成就獎,對許多建築專業人士而言,西薩作品巡禮更是一生必訪的行程。1933 年出生於葡萄牙北部,西薩對於雕塑藝術充滿濃厚興趣,在一次巴塞隆納之旅中受到高第建築作品感動,最終選擇就讀波多大學建築系,開始他的建築之路。 阿爾瓦羅 ‧ 西薩(Álvaro Siza) 西薩的建築風格在 1963 年完成的第一件葡萄牙海邊茶屋作品即稍顯端倪,建築隱身礁石之中,隨著坡度緩緩向下延伸,空間注重採光及室內外連結,並將當地傳統建築材料及工法融合空間之中。這些手法在後續作品中愈加純熟並精煉,以機能為前提,剔除不必要的裝飾,使每一個形狀、細節都有其原由,普立茲克建築獎評審評語中便盛讚西薩「每個線條與彎曲的設置都來自充分的技巧與把握」。   儘管早已舉世聞名,西薩的建築卻在近 20 年才首度踏入亞洲,2009  年在台玻集團總裁暨台豐高爾夫俱樂部董事長林伯實與徐莉玲夫妻親自遠赴葡萄牙力邀下,與長年合作夥伴卡洛斯 ‧ 卡斯達內拉(Carlos Castanheira)到訪台灣,為成立 40 餘年的台豐高爾夫俱樂部重新擘畫「西薩會所」、「嘉卿會所」,以及台玻創辨人林玉嘉、林蔡卿卿夫妻位於新北金山區的私人紀念墓園,更預計近年於球場內新增茶屋、警衛室等設施,使球場整體成為一件完整的西薩建築,為台灣蒐藏更多國際建築大師作品。本次《室內interior》雜誌與台豐高爾夫俱樂部、學學課程合作,實地拜訪已完成的兩座會所,並參與學學舉辦的 Álvaro Siza 建築巡旅課程,深入紀錄西薩近年於台灣完成的作品。 西薩會所 西薩會所位於入口車道旁,外觀為清水模材質。 於 2014 年與何侯設計合作完成西薩會所,主要作為一般會員接待、更衣休憩、咖啡廳、工作區域使用。建築鄰近入口,西薩特意在動線起始處設置四層樓高如城堡般的量體,清水模外觀在第一眼即給予觀者強烈印象,後續沿車道設置一道 60 米長的厚實清水模牆面,作為情緒沉澱、轉換空間,引導參訪者動線,車輛可以停放至 B3 停車場,人行則經過轉彎處抵達入口階梯。何侯設計的侯貞夙建築師說明,會館外觀偏向理性,西薩便於門口轉角點綴植栽添入生意,並親自設計入口形象藝術品,量體形狀與對側設計選物店呼應,達到視覺平衡,特殊的古銅色鍍釉手工磁磚映照藍天與中央樹木,抽象弧線呈現高爾夫球打擊時飛越的樣貌,成為台豐高爾夫俱樂部的企業識別標誌。  觀景輕食廳面朝練習場,訪客可透過玻璃與球友互動。 轉個彎抵達會館入口,也是西薩的作品特色,透過身體動作提醒參訪者空間的轉換。接待處的實牆與低天花板加強大廳落地窗與挑高的開放感,深灰色石材傳遞沉穩氛圍,並將地坪材質延伸至壁面,俐落地分割出上下半部。所有桌椅、櫃體、燈具皆出自西薩之手,呈現整齊的水平層次。此外,光線亦為西薩相當在乎的細節,除了大面開窗引入自然光源外,均以間接照明為主,少有筒燈、崁燈等設置,並將空調出風口隱藏於天花四邊的縫槽內,維持天花板純淨。 動線自大廳處區分為二,會員下樓至B1的更衣室換裝準備,訪客或親友可至一旁的觀景輕食廳等待、享用餐點。大面落地窗使用台玻製的複層玻璃,中央真空設計可阻絕熱能,留下明亮日光與綠地美景。身處西薩作品中,每一步都有不同風景,侯貞夙建築師分享,西薩發想設計時會先做出多種尺度的等比例模型,方便觀察室內空間,以立體方式發想設計,使他能精準掌握動線、端景、光影的變化,構築出一件件令人傾服的經典。 西薩會所接待大廳,家具皆為西薩親自設計。 嘉卿會所 2020 年 10 月新啟用的嘉卿會所,與廖嘉舜建築師團隊合作,會所主要服務尊榮會員,將接待大廳、宴會廳與露天廣場、超跑俱樂部、Albatross 西餐廳等主要空間和停車場、更衣間、廚房等機能空間做出垂直區劃,安排不同人員的複雜動線。外觀使用白色塗料,連接地面處則使用灰色石材,呈現整齊視覺水平。建築倚果嶺邊緣向外生長,自球場可見三層樓的龐大建築,另一面則為一層樓溫順地匍匐大地。建築造型突顯西薩以機能為主的設計風格,由四個量體連接而成,藉由不同角度、動線的巧妙安排,創造一幅幅自然美景,以及數個可供駐足欣賞風景的廊道與平台。 嘉卿會所外觀使用白色塗料,銜接地面處則為深灰色。   入口處為高爾夫球車出發站,以球場常見的鳥類飛翔形象作為靈感。進入室內,設計主軸與西薩會所相同,線條簡潔乾淨,透過落地窗大量引入日光及果嶺風景,強調室內與環境的互動,石材地坪及木質家具則選擇暖色系材質呈現輕盈視覺。接待處連接餐廳,西薩特別在此設置酒窖,長盒狀的空間除方便工作動線外,上方脫開設計型塑量體感,避免切割空間。宴會廳則刻意壓低牆緣天花,框畫出窗外景觀,並襯托出中央紅毯的重要性。 西薩對於結構的巧妙安排更令人驚嘆,或許來自他對於雕塑的熱愛,空間中許多結構的運用都突破人們的認知,如提供超跑會員展示愛車的超跑俱樂部,僅靠一根 150 米的大樑便撐起寬大的平頂,形成完全無柱的空間。樓梯也呈現如雕塑般的美感,轉彎處特別挖空的設計讓光線自然地流入,保留在行走間仍能望見窗外美景的巧思。身處 B1 特別能感受西薩對於採光的純熟運用,接待處透過嘉卿會館特有的兩座半室外水池借光,停車場則以露天的車道入口及中央採光井引入風與日光,完全感受不到地下會有的悶熱陰暗。 扶手上下保留縫隙,使光線與視覺不受隔擋。   西薩作品從不以華美著稱,卻能呈現出講究且高雅的氣質,廖嘉舜建築師提到,西薩非常注重每個細節,小至窗緣防水用的矽利康,仍要求必須隱藏在玻璃下方,避免年久發黃時破壞整體美感。此外,西薩從不刻意極簡,而是尊重構造與事物本質,應當存在便不額外修飾,亦不設置多餘之物,使建築依靠結構、材質、細節傳頌真實之美,一如西薩的名言,也是他一直以來的堅持:「設計師並不發明事物,他們只是轉化真實。」   嘉卿會所尊榮會員接待大廳及 Albatross 西餐廳。 資料及圖片提供」台豐高爾夫俱樂部、學學課程 撰文」林慧慈

美的傳承與創新 Cusanus 學院

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Kardinal Nikolaus Cusanus 學院坐落於義大利南蒂羅爾省的布雷薩諾內,校名取自 15 世紀聖羅馬帝國的神學家—庫薩的尼各老,委由義大利 MoDusArchitects 建築事務所運用精細的設計策略,為這座學院進行整修及增建。  主樓 Haupthaus 的東側。 布雷薩諾內為義大利北部最古老的城鎮,到處皆可看見中世紀建築。原先由義大利知名建築師 Othmar Barth 所設計的 Cusanus 學院,用磚塊與水泥赤裸展現於建築立面,佇立在充滿歷史氣息的古鎮中顯得格外新穎,它也是首座受到義大利波爾察諾省歷史保護委員會保護的現代建築,同時被認為是 Othmar Barth 的代表作。 Paul Norz Haus 與 Haupthaus 的東南側,Haupthaus 的建築結構由3個四方形組成,構成梯形。 MoDusArchitects 團隊承接此一極具挑戰性的任務,在大量研究該項目的相關文件後,謹慎地拿捏建材、構造與技術之間的平衡,讓研討會場地與住宿規劃能延續學院經典語彙,打破今昔疆界。 Haupthaus 的南面,外觀露骨的水泥與磚牆,在充滿歷史氣息的古鎮中,顯得格外大膽新穎。   Cusanus 學院由 3 棟大樓組成,分別是 Paul Norz Haus、Mühlhaus 與 Haupthaus。Haupthaus 為主樓,其建築結構融合幾何元素,由 3 個朝南敞開的四方形所組成,構成醒目的梯形外觀。大樓內部連結悠長通道,從結構、表面、開口與格局,都呼應著簡潔素雅的建築語彙。 位在夾層樓的會議室面向 Haupthaus 的大廳敞開,內部為挑高的穹頂空間。 在新的改造中,MoDusArchitects 強調學院與城市環境的融合,以秩序性的建築群與公眾空間,為校園與社區建立連結,在不破壞學院建築原貌的條件下,保留原有的混凝土框架結構、磚牆、鋪石,同時運用自然光照及素簡建材,維繫它莊嚴和諧的美感。 主樓新設的南北軸線,串聯 Haupthaus 的大門入口與食堂。   位在 Haupthaus 1 樓的會議室作為改造核心,MoDusArchitect 將 1 樓的建築軸線改為南北軸,化解空間的位處建築角落的態勢,同時讓 Haupthaus 的大門入口能與食堂相連。悠長的連接通道則引加入許多新元素,例如:咖啡廳、兩側入口處、休閒座區以及研討室,寬敞的走廊不僅是動線要道,也體現此設計方案的目標:在尊重建築構造的邏輯下,營造更加友善的校園環境。 Haupthaus 的大廳內部的悠長通道。   此外,新方案也整合原有的附屬建築與新增的地下空間,在兩者之間強化垂直連結。Haupthaus 的半地下層原為俱樂部,改造為研討室並且比鄰增建的大型會議廳,動線路徑的流暢,更加方便各種規模的研討會運用。 研討室位在 Haupthaus 地下半層,且鄰近 MoDusArchitects 增建的大型會議廳。 而會議室位置也順勢界定了天井範圍,將原本曖昧的屋頂平台場域轉化為新公共廣場。臥室主要設置在 Paul Norz Haus、Mühlhaus 與 Haupthaus 的上層,房間共可容納 96 位客人,55 間各式尺度的客房運用色彩進行分區。 研討室內部沿襲會議室的水泥結構,展現簡潔明亮的幾何空間。   改造後的 Cusanus 學院,建築風格承襲了文藝復興時期重視的和諧之美,其精緻的語法結構,在傳統與創新交互碰撞下,仍堅守平衡、幾何、美感與比例等經典元素,讓建築在時光長河裡依然流露著素雅沉靜,同時也展現了不失新穎的美感。 位在 Paul Norz Haus 的其中一間新客房,Paul Norz Haus 的房間區分色為藍色。 圖片提供與版權」MoDusArchitects 攝影師」©Gustav Willeit 撰文」紀奕安

謙遜包容的理想實踐者 2021普立茲克建築獎 Anne Lacaton & Jean-Philippe Vassal

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普立茲克建築獎(The Pritzker Architecture Prize)不僅是「全球建築領域的最高榮譽」,也是觀察當今重要議題的入口。2021年3月16日,法國建築師安妮.拉卡頓(Anne Lacaton)與讓-菲力浦.瓦薩爾(Jean-Philippe Vassal)榮獲2021年度普立茲克建築獎。 費雷角之家(法國費雷角,1998年)。攝影」拉卡頓-瓦薩爾建築事務所。 30年以來,拉卡頓與瓦薩爾堅信「建築並不僅僅是建築」,他們尊重原有的建築結構,透過增建及擴建的方式,並細心選用環保與經濟兼具的建材,設計理念重視居民福祉及空間使用的充裕感,致力打造可持續建築。 波爾多住宅(法國波爾多,1999年)。 秉持「永不拆毀」的戒律 瓦薩爾曾前往西非的尼日共和國(République du Niger)從事城市規劃,當時在法國波爾多蒙田大學攻讀城市規劃碩士學位的拉卡頓,經常赴往尼日探望瓦薩爾。尼日位在撒哈拉沙漠的南部區域,為現行最低度開發國家之一,由於當地長期動亂,加上氣候環境惡劣,導致國家資源匱乏。不過,拉卡頓與瓦薩爾卻被當地的沙漠美景、人民慷慨樂觀的態度和充滿詩意的創造力深深吸引,他們也視此國家作為人生中第二個建築學校。 南特國立高等建築學院(法國南特,2009)。 拉卡頓與瓦薩爾在尼日首都尼阿美(Niamey)使用當地的灌木叢來建造一座草棚,展開兩人的第一個合作項目。由於建材具有耐熱耐旱特性,即使在竣工的兩年後,草棚任憑沙漠強風吹襲依然屹立不倒。他們受到尼日人生活態度和當地資源稀缺的啟發,立誓日後建築職涯裡,但凡能挽救的建築絕不拆毀,並且盡力延長其持續性,這也成為他們往後的設計戒律—永不拆毀。 53套低層公寓(法國聖納澤爾,2011年)。 透析現有資源 開啟新與舊的對話 縱觀拉卡頓與瓦薩爾作品,一如凱悅基金會主席湯姆士.普里茲克所言「他們的目標就是透過自身工作,展現謙遜的力量,並且實現新與舊之間的對話,以此服務人類生活,拓寬建築疆界。」   大公園 G、H、I座大樓 530 套公寓(法國波爾多,2017年)。 拉卡頓與瓦薩爾悉知建築的空間和材料,深入探索原有事物的價值並且善加利用,以改造提升替代拆毀重建,賦予現有資源蛻變重生的機會。同時,他們也將自身的創作熱情和創新觀點注入設計裡,建構出兼具美感與務實的建築,其作品橫跨多元領域,包含:住宅、文化、教育和商業建築。 多功能劇場(法國裡爾,2013年)。 究竟拉卡頓與瓦薩爾是如何運用清晰的邏輯和堅毅的信念來實踐心中的理想?透過以下3項知名作品,讓我們一探兩位建築師以改造取代拆毀,富含細膩人文關懷以及謙遜包容的設計精神。 綠建築實踐 拉達匹住宅 Latapie House(法國弗盧瓦拉克,1993年)  拉達匹住宅改造期間的施工樣貌。 拉卡頓與瓦薩爾皆曾經研究過植物園的溫室,植物脆弱且優美的特質,在光照下的通透之美,不僅擄獲她們的目光,也讀進了兩人的內心。在拉達匹住宅(Latapie House)她們以綠建築思考,利用增設的冬季花園與陽台,在有限的預算裡擴大了居住空間體感,讓居民能夠親近自然同時達到住宅節能目的。 拉卡頓和瓦薩爾應用溫室技術,在房屋背面向東處設置可伸縮的透明聚碳酸酯板,以擴大居民的活動空間,同時達到節約及美觀的效果。透過部分改造建築外觀,使原本單調老舊的社會住宅,翻新為清新明亮的樣貌,為空間增添生氣盎然的氣息。 住宅周遭種植植物,除了有效美化居住環境,也能達到調節室內微氣候的效果。此外,在房屋背面向東處設置可伸縮的透明聚碳酸酯板,拓增住宅的公共空間並且令自然光線穿透入內,使氣流暢通怡人,輕巧地改善了居住品質,也提供居民健康舒適的生活空間。 體貼的人文關懷 普雷特大樓100套公寓 Transformation of 100 Units, Tour Bois le Prêtre(法國巴黎,2011年)  普雷特大樓100套公寓(法國巴黎,2011年) 在二戰結束後,住房需求大幅增加,法國政府在郊區興建大量的社會住宅,普雷特大樓即為其中之一。這座建築始建於1960年初期,是一棟擁有96套公寓的17層大樓,因年久失修,且建築設備急需升級,拉卡頓和瓦薩爾與弗雷德里克.德魯沃聯手為它進行改造。 在靠近陽台處裝設落地窗,不僅可以引入日光,一覽窗外美景;亦可讓室內空間與視覺向外延伸,營造寬敞明亮的居家生活。 在新計劃中,拆除了原有的混凝土外牆,並且裝設多處大片落地窗,讓建築輪廓向外延伸,換來明亮開闊的室內空間,使居住感受更加開放。此外,主張以改造取代全然拆除的作法,不但充分考量了住戶的生活難題,讓住戶無需憂心沉重經濟負擔,得以維持穩定生活,改造後普雷特大樓不僅煥然一新,不再沉舊,也展現了設計者細膩入微的思考與人文關懷。 更自由的空間運用 當代創作展場,東京宮二期 Site for Contemporary Creation, Phase 2, Palais de Tokyo(法國巴黎,2012年)  當代創作展場,東京宮二期(法國巴黎,2012年)。 巴黎東京宮原本是為了1942年的巴黎世界博覽會所建造的博物館,竣工於1937年,2002年起,拉卡頓和瓦薩爾耗費10年時間修復建築內部空間。在新方案裡,博物館的室內面積增加20,000平方公尺,部分是新闢的地下空間。 兩位設計師打破展場模式既有的框架,牆面、鋼桁架及柱子展現建築原有的樣貌,讓空間的使用性更加寬敞自由;同時,明與暗的空間相接,增加了視覺上的豐富性,也增添光影交織的美感。 室內設計跳脫許多當代藝術博物館的常用的純淨白立方型態,反而以大量的未完成空間予以「留白」,增加展場日後使用的靈活性。此外,展場內部不規劃制式的動線引導,因此每個空間都可以提供藝術家、策展人與展覽主題盡情發揮,參觀者也能自由地穿梭在明暗交織的環境裡,沉浸於無限想像的藝術體驗。 地下空間。 除了上述作品,拉卡頓和瓦薩爾的知名作品還包括:費雷角之家(法國費雷角,1998年);CitéManifeste的14座社會住宅(法國米盧斯,2005年);波爾多科學技術大學(法國波爾多,2008年);53套低層公寓(法國聖納澤爾,2011年);多功能劇場(法國裡爾,2013年),烏爾克-饒勒斯大學的學生宿舍和社會住宅(法國巴黎,2013年);位於內珀特花園、包含59套公寓的社會住宅開發項目(法國米盧斯,2014至2015年);以及謝納堡住宅和辦公樓(瑞士日內瓦,2020年),作品展現了兩人對於生態環境變遷、社會困境以及經濟發展的關懷,用開放自由、務實與理想並存的特質實現了建築的民主精神,他們體貼考究、觀察入微、謙遜包容的設計思考不僅深獲肯定,同時對社會帶來影響與貢獻,也對年輕世代的建築師帶來深刻啟發。 設計師簡介 安妮.拉卡頓(Anne Lacaton) 法國建築師、教育家 讓-菲力浦.瓦薩爾(Jean-Philippe Vassal) 法國建築師、學者 安妮.拉卡頓與讓-菲力浦.瓦薩爾相識於法國波爾多國立高等建築與景觀學校,於1987年在巴黎共同成立拉卡頓和瓦薩爾建築事務所(Lacaton & Vassal),並獲得2016年里斯本建築三年展終身成就獎;憑藉法國波爾多大公園G、H、I座大樓530套公寓改造項目,榮獲2019年當代建築歐洲聯-密斯.凡.德羅獎。 兩人曾共同在義大利阿爾蓋羅的薩薩里大學、法國東京宮Pavilion Neuize OBC研究室、瑞士聯邦理工學院擔任客座教授,亦聯名出版《自由空間》、《事件。使用自由》、《PLUS:大規模住房開發,一個絕佳案例》和《明天會更好》等作品。 圖片提供與版權」The Pritzker Architecture Prize  攝影」Philippe Ruault   撰文」紀奕安

Van B 質量為先的生活新貌

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Van B為一棟創新的智能住宅,位於德國慕尼黑的Infanterie街,毗鄰創意區(Kreativquartier),由荷蘭的UNStudio建築事務所設計。 Van B住宅兼顧辦公及居住的功能,位於德國慕尼黑。住宅周遭設有汽車及自行車停靠區。 在城市人口日漸稠密的趨勢下,都市住宅的室內空間逐漸縮小,UNStudio打破人們對智能住宅既有的框架,不再只是將物聯網及人工智慧技術與建築設計結合,而是靈活運用居家空間,在環境資源有限的條件下,打造兼具美感及實用性質的智能住宅,使室內空間的價值和功能發揮最大效益,改善原有的建築空間限制。 為了加強公寓與鄰里社區的連結,從1樓到5樓外側皆設置大型凸面窗和陽台,將內部空間向外延展,營造出三維空間。 智能靈活 隨心所欲 建築設計師Ben van Berkel以創造出具有靈活性空間的住宅為設計理念,運用可調整式隔間和嵌入式家具模組系統,來因應住戶的居住需求和變化。   住宅的屋頂花園不單具有為建築降溫的功能,也供所有居民使用。 UNStudio留存及續用原建築的地基和基礎構造,達到節省建材資源,且有利加速施工過程。Van B住宅不同於傳統建築設計,為滿足不同地區的人口和居住群體的需求,規劃各種類型與大小的住戶型態,例如:設有1至3間房間的公寓、帶有畫廊的閣樓,以及裝設屋頂的公寓。 在室內不僅可觀賞180度的窗景,亦能優化公寓的日照採光,維護住戶的隱私性。 為了使室內空間更具有彈性,設計團隊開發一項智能系統,並連接每個嵌入式模組,以便屋主從九個基本模組中挑選自己所需,並進行配置,在短時間內,即可布置出自己的理想天地。由於建築成為一個能夠隨心變形的智能空間,任由住戶施展魔法,變換成各種型態樣貌,更可提高居住環境的適應性、生活品質和舒適度;落實UNStudio對於未來建築樣貌的期許:著重於生活質量,而非生活尺度。 室內空間寬敞明亮,家具擺設也一應俱全,打造方便舒適的居家生活。 打造城市新生活 雖然自2020年起新冠肺炎(COVID 19)改變人們的生活型態,影響擴及部分住宅市場,卻也凸顯出建築與環境的關係以及社區發展的重要性,這也成為Van B住宅的設計核心之一,因此建築內部設置多樣類型的公共空間,包括:屋頂花園、廚房休息區、健身露臺、自行車維修站、汽車及自行車共享服務中心,確保社區生活的多元性。 Van B住宅的特色在於智能靈活,住戶能夠自由搭配嵌入式家具模組,隨心打造心目中的理想生活。   同時,Van B住宅也建構出一幅擁有共享經濟的建築願景,不單規劃出多功能性質的居家環境,以因應現代人們的生活型態;並透過建築立面設置凸窗和陽台,破除居室的封閉感,讓人身在室內仍可關注環境動態,加強居民與社區的緊密連結,打造出具有溫度的城市新生活。Van B住宅已於2021年4月開始建造,預計於2022年的2月底左右完成建築外觀。 圖片提供與版權」UNStudio建築師事務所 視覺效果圖」bloomimages 撰文」紀奕安

窺探Tara Bernerd的設計心法

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由國際知名設計師Tara Bernerd創立的Tara Bernerd & Partners,是一間涵蓋室內設計和室內建築的室內建築公司,2002年成立以來,參與了全球各地不同的設計項目,使她成為業內最炙手可熱的設計師之一。Tara與她的專業團隊為世界各地的餐廳、酒吧、酒店、遊艇及私人開發項目提供創意指導及室內空間規劃,建構專屬的美學。近期,她於亞洲完成的項目包含2020年夏季開業的Zentis Osaka(Palace Hotel Group旗下全新Zentis品牌的首個項目)、去年12月剛開業的香港灣仔The Hari Hong Kong等,《室內》雜誌特別邀請Tara Bernerd進行專訪,請她分享事務所秉持的理念,並與讀者分享近期所完成的酒店設計概念與亮點。 Tara Bernerd & Partners Tara Bernerd & Partners是由設計師Tara Bernerd創立的室內建築公司。項目遍布全球,擅長透過運用智能科技為室內空間進行規劃及設計,視每個作品為獨一無二,然而Tara Bernerd & Partners在設計的過程中均會注入標誌性的風格,奢華但是親民,帶點工業風的元素,展現優雅質感,帶來獨一無二的設計體驗,團隊希望為不同空間賦予不同的意義及營造彼此的連繫。 金普頓費茲洛伊倫敦酒店大廳。建物本身為受保護的歷史建築,設計團隊保留其大器典雅的元素,再以現代觀點重新思考空間佈局。 Tara Bernerd & Partners以倫敦的貝爾格萊維亞(Belgravia)為基地,承接眾多國際知名客戶包括瑰麗酒店(Rosewood Hotels & Resorts)、四季酒店(Four Seasons)、夏利里拉酒店(Harilela Hotels)及Palace Hotel Co. Ltd等設計案,其中,金普頓費茲洛伊倫敦酒店(Kimpton Fitzroy London)的翻新工程為其得意之作,設計團隊與發展商攜手合作,確保整個建築物的室內設計都能夠保留這幢二級歷史建築的原貌。金普頓費茲洛伊倫敦酒店坐落於羅素廣場(Russell Square)上,曾是上流社會成員的集聚地,外觀維持著維多利亞時期的設計風格,公共區域基本上保持了原有的樣貌,內部裝飾古典大器,Tara Bernerd & Partners與建築師將這些富含歷史底蘊的元素保留下來,並在翻新過程中以現代思維重新詮釋佈局、動線等規劃。 面對委託案時,Tara Bernerd & Partners秉持著對創作一貫的認真和熱誠,相信每一個項目都是獨一無二,其中,保留當地特色是所有設計提案中的骨幹,Tara深信每個地區都有其獨特的個性,在色彩運用上多以道地風貌及城市景觀為靈感,用料方面亦盡可能就地取材,透過文化、歷史、氣候與環境氛圍的結合,勾勒出專屬當地的風格;同時,團隊也十分重視建築概念和室內空間的融合度,希望能充分展現出設計與生活美學的結合。要判斷一間酒店是否真正成功,絕不能單靠整體外型印象,每個設計細節都是環環相扣且缺一不可,從空間運用到材料、家具選擇、色調、藝術品、燈光、氣味等,甚至是最後的修飾,皆需仔細考量;另外,如何與酒店經營團隊適切的配合,也是Tara認為在酒店設計中非常重要的關鍵,不管硬體規劃有多完善,若沒有服務人員時時刻刻關懷著住客的需求,都無法成就出一間受人愛戴的酒店。 金普頓費茲洛伊倫敦酒店客房。不論是色調、材料或軟硬體等規劃,皆環環相扣。   從縝密的觀察中,找尋設計切入點 有鑑於團隊經常承接知名連鎖集團的設計委託案,該如何在既定的企業精神下,注入屬於Tara Bernerd & Partners的元素?Tara解釋道,她會先因應各項目的先天特性來擬訂設計方針,這有助於團隊在創作上享有更高的自由度。首先,會針對建物本身、其所在地及鎖定客群進行評估,再配合品牌定位和風格著手設計,若是為同品牌設計不同地區的酒店,除了賦予獨有的設計基因外,更需將相同的元素置入每間酒店,使它們緊密連結;以近期完成的The Hari Hong Kong為例,為突顯和The Hari London之間的連結,大廳整體設計和圖書牆的運用便營造出相互呼應的效果。Tara Bernerd & Partners的作品中,不難察覺奢華但平易近人是他們的標誌性設計風格,當中透著細膩的設計層次,以及對藝術滿滿的熱愛及精準的氛圍掌控。   位在香港灣仔的The Hari Hong Kong,大廳劃分成不同功能的休息區,以藍色、綠色與大地色調,和天鵝絨及羊毛厚布構成,家具風格則融合中世代主義與當代主義。 由於Tara的作品分布於世界多個城市中,歐亞地區對於酒店設計的發展趨勢與喜好有著明顯的差異,以日本為例,她觀察到日本人非常重視傳統文化,在設計浴室時便參考當地人的沐浴習慣,希望能設計出更貼近當地生活習性的空間,而香港的酒店則十分注重色調調配;整體而言,不同國家地區存在著各自的建築規範,團隊會先向當地的建築師徵詢細節方面的意見,在可行的情況下盡可能滿足多方需求,並尋求機會做出突破,Tara認為這才是設計的真諦。過去一年間因疫情影響,遠距工作成為全新的日常,無法親自審視材料的利用及實地考察,因此需要盡更多心力建立起與客戶、施作方牢不可破的合作關係;憑著團隊堅毅的精神和出色的應變能力,在這段艱難的時刻仍於全球完成了5個項目。 The Hari Hong Kong客房以開放式手法設計,香港的高樓大廈透過玻璃窗映入眼簾。   聚焦設計美學-Zentis Osaka Tara Bernerd & Partners去年於日本大阪完成了Palace Hotel Group旗下全新Zentis品牌的首個項目-Zentis Osaka。Tara表示,她小時候在亞洲度過了很長的一段時間,期間曾造訪過日本數次,一直憧憬著有機會在當地工作,Zentis Osaka是她在日本的首個作品,期待為講究設計及時尚潮流的客人帶來更優質的精選酒店。選址於大阪市中心,目標成為繁華城市中的綠洲,鬧中取靜,營造出家的溫馨感;大阪最引人入勝的地方,在於她蘊藏豐厚的歷史脈絡,同時充滿著現代都市魅力,Tara與團隊以低調奢華卻不失優雅氣派的概念作為Zentis Osaka的設計基因,提供旅客悠閒又賓至如歸的感受。 休息區一景。講究設計感與時尚氛圍,並適度引入外部蔥綠。 啟發自建築概念的石梯是空間的亮點,極具雕塑性。 大廳開闊不拘束,語彙簡約俐落,啟發自建築設計的石梯更是亮點所在,從外型到材質皆充滿著雕塑性,加上落地玻璃的設計,將外部熙來攘往的市容景觀引入室內,動靜之間更添層次,而地下空間則以內外無接縫的手法打造,Tara精心設計一個以玻璃包圍的雙面壁爐,拉近住客與戶外綠色花園的距離。2樓的酒廊別具魅力,挑高的環境以藍色和芥末黃色調捎來柔和感受,並與外露的磚材、橫梁及Crittall鋼窗相映成趣,吧檯則延續了地下石梯的建築風格,由當地採購而來的磁磚製成,也肩負分隔酒廊和餐廳兩個空間的功能;藍色色調延伸至餐廳,地磚圖騰和特色書架則形塑出具變化的視覺效果。Tara提到,Zentis Osaka最大的挑戰在於酒店各個角落、不同大小空間的運用,有趣的是,團隊將客房想像成傳統日式便當,將有限的面積巧妙地劃分成多個獨立卻相連的區域,創造既具功能性又舒適的環境;沿用大廳的清新色調,同時注入些許溫暖顏色,再妝點出自日本藝術家之手的傳統藝術品,藉此向大阪這個洋溢著活力的城市致敬。 Zentis Osaka注入不少屬於當地的設計特色,例如於滋賀縣製作的床頭櫃、靈感來自日本書法的壁紙裝置,及出自當地藝術家的當代作品等。 資料及圖片提供」Tara Bernerd & Partners、PURPLE 採訪」陳映蓁

展現微笑的幾何空間 麥當勞 CUBE 旗艦店

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你是否還記得麥當勞餐點內,經典的紅色包裝盒上帶著滿滿微笑的熟悉身影呢?香港的梁志天設計集團(SLD)首度與全球知名連鎖快餐店麥當勞合作,攜手打造麥當勞CUBE旗艦店,將這份溫暖微笑嫁接至空間裡。整體設計以快樂兒童餐(Happy Meal)為靈感,將包裝盒的造型與童年的快樂回憶融於店面風格。期望讓顧客在店內用餐時,回溯到兒時迫不及待打開包裝、取出餐點及玩具時的喜悅之情。   麥當勞CUBE成都旗艦店位在成都晶融匯的一隅,占地為兩層摟。外觀設計簡約時尚,店外招牌及燈飾同時呈現「立方」及「暖色」這兩項設計元素。 CUBE旗艦店初期展店於中國成都晶融匯和深圳歡樂海岸。究竟在這個撓富趣味的方形盒內,富含什麼樣的巧思與創意,等待我們去發掘?就讓我們打開盒子,一探究竟吧!   麥當勞元素化作設計符號   SLD設計團隊萃取麥當勞的三大經典元素作為店面的設計符號,以拉近顧客與品牌之間的距離。CUBE顧名思義為立方體,而「立方」為第一設計符號。走進CUBE旗艦店內,無論桌子、椅背、牆面或牆壁裝飾,隨處皆可發現方形元素。店內仿造快樂兒童餐的方形包裝盒造型,室內設計善用立方體及正方形,靈活運用於各個空間和結構。處處可見的方形樣式,喚起各年齡層歡樂的回憶,提供既新穎時尚,亦能愉悅用餐的舒適空間。 店內隨出皆可以看見方形平面裝飾。前方的平面設計將品牌標誌和餐點繪製成拍立得的照片樣式,紀錄用餐時的美好回憶。 黃色與紅色為麥當勞的標誌顏色,看到這兩種顏色搭配,是否讓你聯想起薯條美味誘人的滋味,並喚醒香氣撲鼻的記憶呢?SLD使用大量的「暖色」素材作為第二設計符號,巧妙地將麥當勞餐點內的色彩融入室內建材、家具與裝飾。CUBE的專屬顏色包含:啡紅、青綠、暖灰等暖色系,不僅營造出品牌正面溫暖的氛圍,同時為整體空間注入活力,創造出顧客盡情享用美食之餘,亦能暫時忘卻煩憂的用餐場所。 「暖色」為第二設計符號,CUBE專屬顏色源自於麥當勞的餐點與食材,例如:漢堡、青菜、沙拉醬,皆轉化為一個個暖色系色塊,再以看似隨意的方式拼貼成店內食品樣貌。 仔細觀察店內平面裝飾、家具及燈具,不難發現快樂兒童餐的標誌性商標「隱藏的微笑」,親切的黃色微笑悄悄與周遭物品融為一體,成為第三設計符號,為空間增添趣味性及幽默感,亦帶來溫暖及歡樂。 「隱藏的微笑」為第三設計符號,SLD將麥當勞醒目的黃色「M」形商標與微笑的拱形線條融入燈具,親切的微笑不僅帶來活潑感,同時增添店內的趣味性。 成都旗艦店與深圳旗艦店 麥當勞CUBE成都旗艦店於2020年底開幕,位在成都晶融匯,共有兩層樓的占地。外觀設計簡約清新,外牆裝設多面大型落地窗增加室內採光;店外燈飾及招牌皆為方形設計,明確展現出CUBE的設計概念。 麥當勞CUBE成都旗艦店內設有樓梯連接上下樓層,樓梯造型展現幾和美學。 室內空間設有半透明樓梯連接上下樓層,樓梯兩側皆設置霧面玻璃,內側則裝設黃色扶手,呈現明亮且具質感的立體空間。而樓梯底部以橙色鏡面裝飾,不單增添整體時尚感,同時提升整體空間的溫度。 樓梯兩側皆裝設霧面玻璃及黃色扶手,打造兼具質感與美感的立體空間。 現代簡約的設計風格貫穿兩個樓層,簡單俐落的色塊與線條搭配,創造出簡潔大方的視覺效果。另外,為體貼不同客群的用餐需求,運用半透明的橙啡色漸變玻璃劃分出不同用餐區域,並設置卡座、散桌區、長桌和吧檯,以供不同客群選擇。 為體貼各式客群的需求不僅設置各個樣式的座位型態,並以半透明的橙啡色漸變玻璃劃分出不同用餐區域。 若是想換個心情,不妨可以前往位於深圳歡樂海岸的麥當勞CUBE深圳旗艦店,此店附近即是深圳灣公園、購物中心、海洋館、商場等著名景點,兼具觀光休閒與商業辦公性質。 麥當勞CUBE深圳旗艦店位於著名觀光景點—深圳歡樂海岸。附設得來速(Drive- Thru),窗口、花架及牆面擺飾皆為方形設計,展現CUBE的第一設計符號—立方。 CUBE深圳旗艦店與周遭環境結合,發揮地寬廣的優勢,設置戶外用餐區和半開放式的McCafé區域,讓顧客用餐之餘,也能享受海風的吹拂、感受環境的喧囂;另外,在用餐區、人行道和車道間精心布置綠植盆栽,讓商店融入自然元素。 麥當勞CUBE深圳旗艦店運用占地寬廣的優勢,設置半開方式的McCafé區域,試圖與周遭環境結合。用餐區域內,融和綠色植栽、立面與暖色等元素,使空間流露出自在愜意的氣息。 由於深圳旗艦店設有得來速(Drive- Thru),SLD特別以金黃色框裝飾入口和取餐停車口的落地窗,以區分出空間位置。在保有自己獨特風格的同時,亦承襲成都旗艦店的設計概念與元素,善用CUBE的三大設計符號,以豐富的色彩與不同大小的方塊拼接出極具麥當勞代表意象的用餐場所。 麥當勞CUBE深圳旗艦店承襲成都旗艦店的設計及元素,將CUBE的三大設計符號融入室內風格,營造出溫暖舒適的用餐空間。 建築設計師梁志天,以「現代簡約大師」著稱,在麥當勞CUBE旗艦店的設計中,以簡馭繁,簡單不花俏的風格,靈活詮釋麥當勞的品牌形象及精神,具體展現出品牌的定位,打造出活潑、溫暖、具有幽默感的樣貌;細心地考量消費者需求和用餐舒適度,貫徹麥當勞的歡樂共享精神,提供個性鮮明的空間體驗。 現代簡約風格貫串整體的設計風格,暖色系色塊與俐落的幾何圖形及搭配出簡潔大方的美感。 設計師簡介 梁志天 梁志天設計集團有限公司創辦人 國際著名建築師、室內及產品設計師,出生於中國香港。擁有超過30年的設計經驗,以現代設計風格見稱,善於將饒富亞洲文化及藝術元素融入其作品中。曾15度入選Andrew Martin 國際室內設計大獎,並於2015年勇奪「全球年度設計師」的殊榮。以「設計擁有打破界限的力量」為理念,帶領團隊跨足多元領域。2014 年,他與中國內地、香港、臺灣多位著名室內設計師共同創立「深圳市創想公益基金會」,積極推動設計教育及行業發展。 圖片提供與版權」梁志天設計集團有限公司 撰文」紀奕安

躍動的琴鍵 MAXPLAN AZABU 10租賃大廈

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麻布十番地處日本東京都中心,北鄰六本木,東毗東麻布,往東面瞧便能看見東京鐵塔。其交通位置方便,搭乘東京地鐵南北線或都營地下鐵大江戶線皆可以到達麻布十番車站;再加上鄰近澀谷、品川、新宿、銀座和東京等人氣車站,徒步走至六本木也只需要 15 分鐘的路程,而成為日本高級住宅區之一。 建築內部設有一台電梯。 此外,周遭不僅聚集多國大使館、時尚商店和各式美食,並擁有懷舊街區「麻布十番商店街」。其地理位置和環境上的優勢,以及熱鬧中保有在地風情和悠閒氣息的獨特風光,深受觀光客喜歡。而 MAXPLAN AZABU 10 租賃大廈就坐落於麻布十番車站前的一隅,由隈研吾建築都市設計事務所設計。     展現市區繁華與活力 麻布十番原為溼地,而非我們所知的繁華街區。透過河川整治及填海造田,才逐漸發展為現在的繁盛景象。因位於日本企業聚集地,且鄰近青山和赤坂等商業地區,麻布十番車站附近的住宅在東京地區房價相對較高,也較為搶手。它享譽高級住宅街的盛名,卻仍然保有下町富有人情味的一面,周遭街區也設有多家物價較為親民的超市,因此選在這個黃金地段建設租賃大廈再適合不過。   MAXPLAN AZABU 10 為租賃大廈,坐落於一之橋的交叉口處,離麻布十番車只有1分鐘的路程,擁有交通和生活上的便利性。 MAXPLAN AZABU 10 為一棟九層樓高的建築,內部設有一台電梯。建築總面積為 942.26 平方公尺;1 樓面積為 21.42 坪;4 至 8 樓的面積皆為 27.52 坪;9 樓的面積則為 17.93 坪。每層樓根據坪數大小的不同,租賃價格亦有所差異。目前大廈1樓為沙拉專賣店;2樓為共同工作空間;3樓為出租會議室;5樓為洗衣店;其他樓層則正在招租中。隨著各種產業的進駐,也使大廈本身展現地區的昌盛和活力,傲然地佇立於一之橋的交叉口處。   現代與傳統融合 建築外觀的部分,設計團隊細心選用能與城市融為一體的水泥為主要建材,除基層一側的外牆為木板材質外,外觀主要為高壓蒸氣養護輕質氣泡混凝土磚(Autoclaved Lightweight Concrete panels)以呈現建築立面的豐富樣貌。 9樓設有敞開式陽台,可以俯瞰城市街景。 高壓蒸氣養護輕質氣泡混凝土簡稱 ALC 白磚,主原料為矽砂,其材質相較於紅磚來得環保,它俱備許多優點,例如:其質地輕盈,可大幅降低建築結構體的負荷;白磚內部含有氣孔結構,可提升水密性和防火性;另外,其施工簡易且快速,而有助於節省成本,目前廣泛運用至現代建築設計中,並流行於歐美地區。 隈研吾設計團隊應用日本傳統木造工法 — 大和鋪設法,將 ALC 白磚拼貼在建築外牆上,讓傳統建築工法有了當代表情,成為街角亮眼的標記。 僅有大樓基層一側鋪設木板,並附有 MAXPLAN AZABU 10 的大樓招牌。 大和鋪設法的特點在於,將同等寬度的直立木板以彼此間隔一塊木板的方式交互重疊鋪設,呈現具有規則的凹凸表面,一般用於木造建築圍牆設計,不僅可以促進室內通風,亦能維護住宅內部隱私。 設計團隊轉換思維,將傳統實木材質替換為 ALC 白磚,白磚裁切為多條等寬的長型磚塊,並鋪設於建築外觀,使得原本看似單一平板的白牆,顯得生動活潑且具有流動感,此一創新外觀設計,除了營造建築美感,也能避免陽光直接照射進室內,令空間達到舒適光照與節能效果,兼顧了實用性及藝術性。   每塊 ALC 白磚皆切砌成等寬長條狀,凹凸的表面和波浪狀的造型,使建築外觀看起來生動活潑且具有躍動感。 感受城市躍動 新穎獨特的建築外觀位在繁華熱鬧的馬路交叉口,豐富的立體層次彷彿躍動的白琴鍵,隨時譜出城市中的進行曲,它引人注目卻也因低斂色彩毫無違和感。「理想的建築是不會讓人感覺到它的存在,只會感覺到大自然。」是隈研吾的設計理念。 MAXPLAN AZABU 10 再次闡述了建築不僅是建築,而是能滿足並體貼住戶需求,且讓人感到舒適自在的細膩考量。整體外觀展現出清新自然的節奏,讓居民在繁忙的交通中能暫緩腳步,享受這幕別致街景;欣賞熙熙攘攘的人群;聆聽呼嘯而過的車聲;眺望五光十色的城市夜景,盡情感受城市的繁華昌盛。 MAXPLAN AZABU 10 總共有九層樓,建築總面積為 942.26 平方公尺。   設計師簡介   隈研吾 隈研吾建築都市設計事務所創辦人 1990年成立隈研吾建築都市設計事務所。畢業於東京大學工學部建築系,並於近期擔任東京大學教授及榮譽教授。至紐約市哥倫比亞大學擔任訪問學者後,便於東京創辦事務所。 隈研吾建築都市設計事務所的建築設計作品遍布20多個國家並享譽盛名,曾榮獲日本建築學會獎、自然精神木建築獎(芬蘭)和國際石材建築獎(義大利)等多項獎項肯定。   圖片提供與版權」隈研吾建築都市設計事務所 撰文」紀奕安

臺南市立圖書館總館落成啟用

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眾所期待的臺南市立圖書館新總館已於日前正式開幕啟用,由張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所與荷蘭mecanoo建築師事務共同設計,共歷時3年多設計興建,跳脫以往圖書館給人的既定印象,新總館內部有許多特色空間,例如刺激幼兒學習的五感探索區,及各式各樣符合最新圖書館發展趨勢的空間,以期滿足各年齡層的需求。   臺南市立圖書館總館基地位於永康砲校舊址,金色格柵的外觀轉譯自台南老屋窗花的圖騰,讓建物融入城市的在地意象。©Yu-Chen Chao   作為台灣最古老的城市,臺南深受多樣文化的影響,城市裡可見17世紀大航海時代及明朝漢文化的遺址,也可見20世紀初日本文化落腳的痕跡。大小廟宇在臺南隨處可見,其中最為著名的是興建於17世紀的孔廟,其有著懸挑的屋頂和裝飾華美的天花。臺南市立圖書館總館在設計方面借鑑當地的歷史和文化,整體設計展現出地方風土和熱帶氣候特色,同時,也廣納城市的文化遺產、現代藝術、音樂、電影等資源,蒐羅超過100萬本書籍,其中更包含日治時期遺留的16,000本古籍。 建築的倒階梯狀量體以圓柱支撐著懸樑,豎向格柵可過濾光線,阻隔熱能,達到遮陰效果。©Yu-Chen Chao 穿梭竹林間 本案設計的一大亮點為逐層退縮的倒階梯狀量體,纖細的圓柱依比例一分為四,支撐著懸樑,創造宛如穿梭現代竹林間的情境,屋頂層由雕有花型圖案的垂直鋁格柵環繞,令人聯想起舊城區的裝飾窗花,而豎向格柵可過濾光線,有效降低室內溫度;獨特的外觀在夜間也能從遠處清晰辨認,階梯式的建築量體為內外訪客提供了庇護,確保室內外過渡性空間的舒適性;位於懸挑下方的四個下沉中庭為戶外空間,可舉辦各式活動,移目而上,特殊的天花造型引人注目,香檳色鋁料面板帶有線狀淺浮雕,為立面提供額外的裝飾效果,在結構系統的部分,理性的結構為圖書館創造最大的靈活性,為未來的使用保留彈性變動的空間。    室內的挑高中庭展示著Paul Cocksedge的裝置藝術作品。多選用木質裝修材,營造溫潤感受。©Ethan Lee 藝術與書籍 走入室內即可見多層挑高的中庭展示著英國藝術家團隊保羅.考克斯基(Paul Cocksedge)的創作-「陣風(Gust of Wind)」,本作品凍結了書頁被風吹靜止的一瞬間,象徵著思想的自由和閱讀的喜悅;館內隨處可見的藝術作品,除觀賞外,更是可以觸摸、遊戲的互動裝置藝術。位於入口右側的紅色造型樓梯貫穿整棟建築,色彩擷取臺南城市意象,可說是視覺上的一大亮點,若隱若現於木格柵之間,亦為建築增添一抹活力。寬敞的1樓空間主要選用木質裝修材,打造出溫暖又極具穿透性的空間感受,進入大廳後,首先接觸到的是新書區與接待櫃台,後方是如同市民客廳的報章雜誌閱覽區;新總圖配有現代圖書館的最新技術,民眾可利用觸碰螢幕進行館藏搜尋,亦可透過設於各樓層的自助服務站自行借書;兒童圖書館則架設充滿想像力的造型書架,此區位於遮陽天花下方的下沉中庭,適合孩童於戶外玩耍。   樓梯的紅色擷取自建築團隊對臺南的城市觀察,十分具氣勢,也為空間增加層次。©Ethan Lee 上到2樓,首先來到視聽區,此區設有可供觀賞電影的座位和小包廂,近鄰的是結合休憩lounge的青少年區,3樓開始則為一般書庫。圖書館致力於文化遺產的收藏與展示,因此4樓規劃有「臺南名人堂」、「日文舊籍書庫」及「臺南作家作品區」,並有四處戶外屋頂花園跟3個多用途空間,可作教室、工坊與咖啡廳之用;頂層則為劇場、講堂和行政空間,使用者能透過垂直格柵看到美麗的城市天際線。除上述空間外,其餘機能亦包含藝廊、創客空間、盲文圖書館等,將閱讀活動進一步延伸,使此處成為新的城市知識寶盒。 圖書館一隅。共蒐羅超過100萬本書籍,成為市民的閱讀新堡壘。©Ethan Lee 設計手繪圖。 臺南市立圖書館總館 設計」2016年至2017年 興建」2017年至2020年(2021年1月啟用) 業主」臺南市政府文化局 建築師」mecanoo 建築師事務所、張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 結構技師」築遠工程顧問有限公司 機電空調技師」弘電工程顧問股份有限公司 指標系統」Path & Landforms 營造廠」互助營造股份有限公司、興泰水電工程有限公司 資料及圖片提供」mecanoo建築師事務所、張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所 編輯」陳映蓁

胡朝聖:反觀自照,是我想提出的反思

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作為一座引領大眾探索城市、思考如何邁向未來的美術館,忠泰美術館在這個全球疫情蔓延的當下,推出最新當代藝術展《殘山剩水—我們的城市失敗了嗎?》(Broken Landscapes: Have Our Cities Failed?),由胡氏藝術執行長-胡朝聖擔任策展人,邀請台灣、德國、韓國、加拿大及日本等國,包括石孟鑫、吳燦政、何孟娟、安德列亞.格爾斯基(Andreas Gursky)、徐道獲(Suh Do-Ho)、袁廣鳴、陳界仁、張立人、賈茜茹、廖建忠、利安.摩根(Liam Morgan)、豬股亞希(Aki Inomata)共12位藝術家,從五個子題回應疫情時代下,因國際地緣政治、經濟對抗、族群衝突、氣候變遷下的城市樣態。《室內》雜誌亦專訪胡朝聖老師,與讀者分享他的策展概念,以及想藉由展覽傳遞的訊息。 胡朝聖 輔仁大學大眾傳播系廣播電視組畢業,1998年於紐約流行設計學院(Fashion Institute of Technology)獲藝術管理碩士。曾任富邦藝術基金會策展人、台灣視覺藝術協會理事長、臺灣藝術大學兼任講師,現為忠泰建築文化藝術基金會榮譽董事、台灣視覺藝術協會顧問、台北市政府市政顧問、VT Artsalon非常廟藝文空間共同創辦人、双方藝廊策展人、胡氏藝術公司執行長,以及2018、2019年臺北白晝之夜藝術總監。 在2007年至2008年間,胡朝聖策劃了一檔名為「魔幻山水」的展覽,擷取中國明朝末年國祚衰退混亂時,藝術家利用創作體現對國家的關懷與憂心的精神,他們以山水畫的方式描繪出對烏托邦世界的想像,但畫中卻內含了諸多光怪陸離的現象;胡朝聖以此展對應台灣當時的山水畫走向,已非古代大山大景,而是有些許魔幻氛圍,除傳統水墨外,更延伸出油畫、針筆、粉彩等媒材。 2012年,他又策劃了「虛山幻水」一展,以科技藝術結合建築空間為主軸,強調山水畫的虛擬性和精神性,胡朝聖思考到,若山水是古代文人與知識分子對理想生活情境的投射,那他作為一位專業策展人,又該如何看待自己所生活的城市和土地?「城市」作為政治、經濟和文化的相遇之所,是一個多重的敘述之地,在彰顯主流價值的同時,卻也同樣壓抑著其他相異群體的都市體驗和生活現實,尤其在全球化資本主義的浪潮下,城市必須不斷被開發,進行利益價值的交換,導致我們的山水土地變得殘破不堪,因此,「殘山剩水」一展的雛形遂於他內心成形。 位在美術館1樓的張立人《戰鬥之城第一部:臺灣之光(模型)》。展出的模型僅為實際成品的1/9。©忠泰美術館 2020年,忠泰美術館邀請胡朝聖策劃一檔城市相關的展覽,他認為當代藝術探討的即是如何回應世界的環境,近期最直接且劇烈的現況,就是COVID-19新冠疫情,這段期間許多城市基本上都失能了,病毒讓大都市面臨封城、失業、人類大量死亡的困境,彷彿是一座一座的孤島。人類的予取予求,讓地球資源和其他物種面臨生存挑戰,掌權者或所謂的「上流人士」握有政治、經濟等資源,其一舉一動牽動著每個城市的發展,也深刻影響著人權和文化,有鑑於此,胡朝聖分別從「消失以及不可見的存在」、「破壞與重生的極致風景」、「囚禁所和寄生之處」、「他者戰場」、「明日預言的應許之地」等5個子題探討人與城市的未來可能性,透過藝術家的現地製作裝置、情境互動設計、錄像與攝影紀錄創作等多元詮釋,藉由提問打破現代性進程裡的樂觀主義,思考城市在這個高速發展的時代中所面臨的複雜處境。    石孟鑫的現地創作。他在城市角落尋找廢棄、邊陲的物件,試圖讓這些城市中的碎片成為此次作品的主體。©忠泰美術館 從現實裡反思 在「消失以及不可見的存在」中,藝術家吳燦政的《漫遊者004》透過記錄台灣的環境聲,召喚城市記憶的日常聲景,利用梯廳場域擴大觀者視聽體驗;而石孟鑫的作品《T》則巧妙運用館內樓梯下方的傾斜壁面,以熟悉的工業化現成物,測量樓梯下方畸零且壓迫的空間,呈現城市中的可見與不可見。建設與破壞被視為一體兩面的關係,都市景觀如同影像般快速幻化,「破壞與重生的極致風景」特別邀請到3件第一次在台灣亮相的國外藝術家作品,被譽為宏觀敘述者的德國攝影藝術家Andreas Gursky鏡頭下的《東京》和記錄英國羅賓漢花園社區都更前最後景象的韓國藝術家徐道獲的《羅賓漢花園,伍爾莫爾街,倫敦E14 0HG》,在在說明著在全球化與都市化下,城市空間必須不斷被破壞及重生的命運;加拿大藝術家Liam Morgan的《紀念碑》以未經許可的游擊快閃式紅色燈光,投射在曼谷曾代表權力奢華的廢棄大樓,突顯出資本與權力共謀下的時代證據。 忠泰美術館2樓展間(畫面中左為徐道獲、右為豬股亞希作品)。©忠泰美術館 而廖建忠為本展量身訂做的《離群物》與《3/2》,則是透過擬真手法,打造出美術館2樓展場通往3樓虛空的樓梯等偽日常物件,暗喻失能建物為城市帶來的傷疤,胡朝聖表示,他個人十分喜愛廖建忠的創作,藝術家擅以唯妙唯肖的裝置作品,點出隱於背後的巨大問題,例如《離群物》是以高密度泡棉製作的仿真電線與分享器,暗示著城市景致被切分得肚破腸流的一面,十分貼近空間調性和展覽主軸。藝術就像是精華液,將許多值得探討的話題濃縮並解構,再以視覺的方式呈現出來,觀看時或許無法馬上與作品產生連結,但只要深入了解後,就能和作品敲擊出更多火花,如同滾雪球般,讓深層的議題被釋放而出,造就更多的討論機會。  廖建忠作品《3/2》透過擬真手法打造一座通往上層的階梯,愈往上空間愈顯狹窄,隱喻失能建築對城市帶來的影響。©忠泰美術館 戰爭、環境變遷所引發的流離,為這個世界製造了更多弱勢階級與衍生而出的居住問題,城市亦有可能成為囚禁之所,「囚禁所和寄生之處」的子題中,日本藝術家豬股亞希《為何不給寄居蟹一個避風港呢?》系列作品以不同的城市樣貌替寄居蟹訂製透明之殼,隱喻著被迫流離失所的移民和難民問題;何孟娟的《魏斯貝絲計畫》闡述有關居住正義的課題,以影像紀錄紐約魏斯貝絲藝術家公寓裡的人事物來回應,展場中設置輪椅,邀請觀眾體驗中老年藝術家的視角。 利安.摩根的《紀念碑》。現被稱為鬼塔的沙吞獨特大樓(Sathorn Unique),曾是泰國的豪華象徵,藝術家藉由此失敗的奇景,思量權力失速的本質和謬誤。©忠泰美術館 「他者戰場」中則探討資本劃分的城市逐漸成為階級的競技場,陳界仁的《中空之地》試圖讓觀者反思人們在權力、監控宰制下的生存狀態;張立人的《戰鬥之城第一部:臺灣之光》以虛構的動畫和模型城市,演繹社會追求成功與優越的欲望投射,展現具台灣視野與特殊性的微型政治學。最後,「明日預言的應許之地」說明著人類經歷種種天災人禍後,必須重新適應新的空間密度、距離感受、人際關係等,賈茜茹的《物品命名計畫》透過提取日常物件,與觀眾交換影像和名字,將現成物件轉換為另一種展示方式;袁廣鳴的《日常演習》以俯瞰的空拍鏡頭拍攝台北萬安演習當日空無一人的城市街頭,暗示著戰爭威脅的日常化,企圖使觀眾省思人類與城市的未來,到底有哪些可能性。   德國攝影藝術家Andreas Gursky透過不斷搭乘從東京出發的列車,捕捉快速經過的城市景象。©忠泰美術館 在迷宮裡找尋自身解答 胡朝聖表示,策展是一個滾動式的行為,策展人都有一本「神秘本子」,記載許多靈感、或是可合作的對象。展覽前期他欲邀請的藝術家其實多達二三十位,但在過程中必須不停的聚焦濃縮,來回思考如何在有限的空間佈局中,使展覽面向更為多元豐富,針對本次展品安排與動線規劃,他解釋道,希望為觀者創造一種「殘破的迷宮感」,這種殘破並非指作品跟展場雜亂無章,而是企圖打破既定的身體感,讓大家穿梭於內外之景之餘,也能觸發對未來生活的思考和想像。   談及理想中的城市樣貌,胡朝聖笑說他喜愛擁有況味的老城鎮勝過高樓大廈,甚至希望可以減少馬路比例,放寬行人活動的空間,擁有完善的大眾交通系統,且大量種植樹木,讓人類跟自然環境可以和諧共生,生活盡量簡單,降低物質消費的欲望,這是他心中渴望的烏托邦。每個人心中都有期待的美好社會,胡朝聖透過這次的展覽,用創造力和藝術性表述目前世界遭遇的困境,城市的成敗與否,反映著人類文明的未來可能,這全端看我們的所作所為,也因此,若大家願意反觀自照,從自身做起,相信我們的城市會從殘山剩水走向青山碧水,成為更適宜居住的環境。 殘山剩水—我們的城市失敗了嗎? 日期」即日起至2021年4月18日 地點」忠泰美術館(台北市大安區市民大道三段178號) 資料及圖片提供」忠泰美術館、參展藝術家 採訪」陳映蓁

乘載夢想與哲理的共享空間 哲學屋咖啡廳

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哲學屋咖啡廳(哲学屋カフェ)隱身在日本四國香川縣中的巷弄內,建築前身為 50 年前的銀行遺跡,如今化身為隱藏魔法的人文咖啡廳。店內富含能挖掘人們內心想法的深層魔力,創辦人 Ayano Sugihara 懷著年少時對於哲學的熱愛和期許,在家人支持及親友建議下,成立一家結合哲學探討、骨董和雜貨等元素的多元咖啡廳,而店名就取自核心理念,命名為「哲學屋」。 哲學屋咖啡廳創辦人 Ayano Sugihara 懷著夢想與理想成立一家結合哲學、骨董和雜物等元素的特色咖啡廳。 逆境中的曙光 起初,Ayano Sugihara 並沒有任何經營店面的概念。基於本身的嗜好為欣賞室內設計相關的圖片,也喜歡將自己的房間布置得賞心悅目,開始夢想打造一個屬於自己的小天地。店內最初販售骨董和室內裝飾,但由於這些物品價值較高,在郊區的銷售業績並不理想。 再加上室內面積寬闊,建築共有三個樓層,室內面積為 60 坪,還有一間能容納 20 張塌塌米的金庫。單憑販售骨董和室內裝飾選物難以填滿空間,使得店面顯得空曠冷清。 店面前身為 50 年前的銀行遺址,建築共有三層樓,室內面積為 60 坪,還有一間能容納 20 張塌塌米的金庫。Sugihara 在顧客建議下,利用木板將室內裝修成咖啡廳的格局。 因初期資金不足,Sugihara 選址在房屋租金較低的香川縣。店面位置雖不起眼,且環境安靜清幽不適合招徠人流。不過這些地域上的不足反而讓人恍若置身在世界的邊界,在 Sugihara 眼中,這裡是再適合不過的開店據點。在這些劣勢條件下,他依然保持積極樂觀的態度。 一些來訪的顧客平時會帶來甜點和蔬菜給 Sugihara,在這裡輕鬆的談天說地,逐漸培養出忠實客群,這些邂逅交流成為他將店面轉型為咖啡廳的契機,在逆境中找到一線曙光,開創出新商機,獨特的風格氛圍,鮮明了這座咖啡廳與眾不同的個性。 裝修後的成果。 咖啡與哲學 走進哲學屋咖啡廳,仿如進入一間小型藝術博物館,Sugihara 參考珍藏閣(Cabinet of Curiosities)的擺設模式,在室內陳設各式藝術作品、書籍、骨董和精緻擺飾等收藏,使室內呈現文藝復興時期的復古感。利用占地寬廣的優勢,除了使用木板牆將室內格局集中,劃分出各空間的用途;同時在各個位置擺設各種大小不一的木製書櫃、壁櫥和桌椅,增加視覺上的豐富性。看似隨意錯落的布置不單增添店面的趣味性,也帶來舒適愜意的文藝氣息。 室內設計參考博物館前身_珍藏閣(Cabinet of Curiosities)的擺設模式,在各個空間擺放各式書籍、骨董和藝術作品等擺飾,以增加視覺上的豐富性。 其中有間小房間特別保留原有龜裂斑黃的牆面,房內僅擺放一張簡約的靠背木椅、一盞光線昏黃的落地立燈和幾本散落的書本,人們可在這個獨立空間內閱讀或表演。 其中一間空房僅簡單擺設一盞昏黃的落地燈、一張靠背木椅和散亂的書籍;牆壁也保留原有的風貌。顧客可以在此閱讀或表演。 吧檯的部分則設置長形木桌,並在桌上加裝一塊等長的木板以隔開廚房內外的活動空間。延續店內的古典風格,吧檯上加裝的木板不只開了幾個方形開口,每個開口外圍皆裝設歐式復古式畫框。如此一來,廚房與吧檯形成半開放式空間,提高工作效率的同時,也營造出景物如畫布般的美感。   店如其名,哲學屋咖啡廳不僅提供茶點,店內亦不定期舉辦各式哲學討論活動,包括:哲學對話、哲學讀書會、兒童哲學,以及讀書和對話會;每回討論的主題多元。現在 Sugihara 大約每兩週會有一次應要求在公共場合舉辦哲學對話。在與顧客互動的過程中,他深切感受到對方內心渴望挖掘更深層的事物,並深藏智慧及好奇心。 吧檯的部分設置一張長形木桌,並在桌上加裝一面木板。木板上設了幾個方形開口,形成半開放式空間,平衡與顧客的互動距離。設計巧思新穎獨特,同時具有實用性。 Sugihara 喜歡以觀察者的角度來觀察每位客人,聆聽他們有趣的想法及對話,採納他們實用的建議和提案。透過與顧客的思想交流,不但能發掘出對話中隱藏的價值,從中萃取精華,也使得店面不斷進步改變;同時能讓雙方敞開心胸,來場深度的心靈之旅。 每個開口外圍皆裝設歐式古典畫框,營造優雅復古的氣息。  此外,咖啡和茶是店內不可或缺的調和劑。配合店名,販售飲品的名稱別有深意。例如:白天的對話(Daytime Dialektike),是透明且消失得一乾二淨,一款帶有苦味卻口感滑順的咖啡,如同一閃即逝的思緒,雖無法捉摸卻留下深層的韻味。 另外,有款名為碧雅翠絲(Beatrice)的肉桂水果茶,靈感取自義大利詩人但丁愛上的女孩—碧雅翠絲,在歐洲史詩《神曲》裡可看見她的身影。店內還有許多特色且富有意義的茶點。對 Sugihara 來說,哲學與茶點在店中扮演的角色都同樣重要且缺一不可。 店內的咖啡及茶點配合店名哲學屋,名稱各有特色。 忠於初心 在新冠疫情持續延燒下,哲學屋也免不了受到波及。2020 年黃金週期間日本政府宣布餐飲業需暫停營業;同時香川縣因民眾染疫,大眾減少了外出聚會,許多當地咖啡廳也因此停止營運。幸運的是,香川縣府告訴 Sugihara 可以繼續營業,只要哲學屋開始販售酒精,便能將營業時間改至晚上七點。 於是 Sugihara 開始停止發文至 SNS 上的店面,轉而全心投入經營實體店。雖然有許多人無法理解他的選擇,店裡有時一天也只有 5 個客人來訪,不過跳脫常人的思考框架,堅信自己的理念並持續執行,才正是「哲學屋」的精神,也突顯了它在在低迷環境裡的意義:忠實地作為撫慰心靈、重視交流的港灣。 Sugihara 希望哲學屋能成為顧客思想交流,也能盡情展現自我的共享空間。  未來難以預測,但並不代表我們只能被動接受紛至沓來的機會和挑戰。在環境考驗下,哲學屋咖啡廳的店主 Sugihara 依然未忘初衷,一步步從小地方開始實踐夢想,也集結來自各方的創意,一點一點地拼湊出大家理想中的咖啡廳,例如:裝潢店內廁所;改裝店裡一面牆作為大型書櫃;策劃出能讓顧客在店內舉行個人展的場地。Sugihara 希望,哲學屋不只是普通的消費場所,而是能夠與人產生連結,大家也可以盡情表達想法的共享空間。   Ayano Sugihara 哲學屋咖啡廳創辦人 大學主修哲學系,從青少年時期就對哲學抱有極大興趣。秉持初衷及信念,2016 年開設哲學屋咖啡廳,希望能提供給志同道合的人們一個在共同討論哲學、分享哲理的同時,也可品茶小憩的多元場所。 圖片提供與版權」哲學屋咖啡廳 撰文」紀奕安