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乘載夢想與哲理的共享空間 哲學屋咖啡廳

哲學屋咖啡廳(哲学屋カフェ)隱身在日本四國香川縣中的巷弄內,建築前身為 50 年前的銀行遺跡,如今化身為隱藏魔法的人文咖啡廳。店內富含能挖掘人們內心想法的深層魔力,創辦人 Ayano Sugihara 懷著年少時對於哲學的熱愛和期許,在家人支持及親友建議下,成立一家結合哲學探討、骨董和雜貨等元素的多元咖啡廳,而店名就取自核心理念,命名為「哲學屋」。 哲學屋咖啡廳創辦人 Ayano Sugihara 懷著夢想與理想成立一家結合哲學、骨董和雜物等元素的特色咖啡廳。 逆境中的曙光 起初,Ayano Sugihara 並沒有任何經營店面的概念。基於本身的嗜好為欣賞室內設計相關的圖片,也喜歡將自己的房間布置得賞心悅目,開始夢想打造一個屬於自己的小天地。店內最初販售骨董和室內裝飾,但由於這些物品價值較高,在郊區的銷售業績並不理想。 再加上室內面積寬闊,建築共有三個樓層,室內面積為 60 坪,還有一間能容納 20 張塌塌米的金庫。單憑販售骨董和室內裝飾選物難以填滿空間,使得店面顯得空曠冷清。 店面前身為 50 年前的銀行遺址,建築共有三層樓,室內面積為 60 坪,還有一間能容納 20 張塌塌米的金庫。Sugihara 在顧客建議下,利用木板將室內裝修成咖啡廳的格局。 因初期資金不足,Sugihara 選址在房屋租金較低的香川縣。店面位置雖不起眼,且環境安靜清幽不適合招徠人流。不過這些地域上的不足反而讓人恍若置身在世界的邊界,在 Sugihara 眼中,這裡是再適合不過的開店據點。在這些劣勢條件下,他依然保持積極樂觀的態度。 一些來訪的顧客平時會帶來甜點和蔬菜給 Sugihara,在這裡輕鬆的談天說地,逐漸培養出忠實客群,這些邂逅交流成為他將店面轉型為咖啡廳的契機,在逆境中找到一線曙光,開創出新商機,獨特的風格氛圍,鮮明了這座咖啡廳與眾不同的個性。 裝修後的成果。 咖啡與哲學 走進哲學屋咖啡廳,仿如進入一間小型藝術博物館,Sugihara 參考珍藏閣(Cabinet of Curiosities)的擺設模式,在室內陳設各式藝術作品、書籍、骨董和精緻擺飾等收藏,使室內呈現文藝復興時期的復古感。利用占地寬廣的優勢,除了使用木板牆將室內格局集中,劃分出各空間的用途;同時在各個位置擺設各種大小不一的木製書櫃、壁櫥和桌椅,增加視覺上的豐富性。看似隨意錯落的布置不單增添店面的趣味性,也帶來舒適愜意的文藝氣息。 室內設計參考博物館前身_珍藏閣(Cabinet of Curiosities)的擺設模式,在各個空間擺放各式書籍、骨董和藝術作品等擺飾,以增加視覺上的豐富性。 其中有間小房間特別保留原有龜裂斑黃的牆面,房內僅擺放一張簡約的靠背木椅、一盞光線昏黃的落地立燈和幾本散落的書本,人們可在這個獨立空間內閱讀或表演。 其中一間空房僅簡單擺設一盞昏黃的落地燈、一張靠背木椅和散亂的書籍;牆壁也保留原有的風貌。顧客可以在此閱讀或表演。 吧檯的部分則設置長形木桌,並在桌上加裝一塊等長的木板以隔開廚房內外的活動空間。延續店內的古典風格,吧檯上加裝的木板不只開了幾個方形開口,每個開口外圍皆裝設歐式復古式畫框。如此一來,廚房與吧檯形成半開放式空間,提高工作效率的同時,也營造出景物如畫布般的美感。   店如其名,哲學屋咖啡廳不僅提供茶點,店內亦不定期舉辦各式哲學討論活動,包括:哲學對話、哲學讀書會、兒童哲學,以及讀書和對話會;每回討論的主題多元。現在 Sugihara 大約每兩週會有一次應要求在公共場合舉辦哲學對話。在與顧客互動的過程中,他深切感受到對方內心渴望挖掘更深層的事物,並深藏智慧及好奇心。 吧檯的部分設置一張長形木桌,並在桌上加裝一面木板。木板上設了幾個方形開口,形成半開放式空間,平衡與顧客的互動距離。設計巧思新穎獨特,同時具有實用性。 Sugihara 喜歡以觀察者的角度來觀察每位客人,聆聽他們有趣的想法及對話,採納他們實用的建議和提案。透過與顧客的思想交流,不但能發掘出對話中隱藏的價值,從中萃取精華,也使得店面不斷進步改變;同時能讓雙方敞開心胸,來場深度的心靈之旅。 每個開口外圍皆裝設歐式古典畫框,營造優雅復古的氣息。  此外,咖啡和茶是店內不可或缺的調和劑。配合店名,販售飲品的名稱別有深意。例如:白天的對話(Daytime Dialektike),是透明且消失得一乾二淨,一款帶有苦味卻口感滑順的咖啡,如同一閃即逝的思緒,雖無法捉摸卻留下深層的韻味。 另外,有款名為碧雅翠絲(Beatrice)的肉桂水果茶,靈感取自義大利詩人但丁愛上的女孩—碧雅翠絲,在歐洲史詩《神曲》裡可看見她的身影。店內還有許多特色且富有意義的茶點。對 Sugihara 來說,哲學與茶點在店中扮演的角色都同樣重要且缺一不可。 店內的咖啡及茶點配合店名哲學屋,名稱各有特色。 忠於初心 在新冠疫情持續延燒下,哲學屋也免不了受到波及。2020 年黃金週期間日本政府宣布餐飲業需暫停營業;同時香川縣因民眾染疫,大眾減少了外出聚會,許多當地咖啡廳也因此停止營運。幸運的是,香川縣府告訴 Sugihara 可以繼續營業,只要哲學屋開始販售酒精,便能將營業時間改至晚上七點。 於是 Sugihara 開始停止發文至 SNS 上的店面,轉而全心投入經營實體店。雖然有許多人無法理解他的選擇,店裡有時一天也只有 5 個客人來訪,不過跳脫常人的思考框架,堅信自己的理念並持續執行,才正是「哲學屋」的精神,也突顯了它在在低迷環境裡的意義:忠實地作為撫慰心靈、重視交流的港灣。 Sugihara 希望哲學屋能成為顧客思想交流,也能盡情展現自我的共享空間。  未來難以預測,但並不代表我們只能被動接受紛至沓來的機會和挑戰。在環境考驗下,哲學屋咖啡廳的店主 Sugihara 依然未忘初衷,一步步從小地方開始實踐夢想,也集結來自各方的創意,一點一點地拼湊出大家理想中的咖啡廳,例如:裝潢店內廁所;改裝店裡一面牆作為大型書櫃;策劃出能讓顧客在店內舉行個人展的場地。Sugihara 希望,哲學屋不只是普通的消費場所,而是能夠與人產生連結,大家也可以盡情表達想法的共享空間。   Ayano Sugihara 哲學屋咖啡廳創辦人 大學主修哲學系,從青少年時期就對哲學抱有極大興趣。秉持初衷及信念,2016 年開設哲學屋咖啡廳,希望能提供給志同道合的人們一個在共同討論哲學、分享哲理的同時,也可品茶小憩的多元場所。 圖片提供與版權」哲學屋咖啡廳 撰文」紀奕安

並享自然的新世界 神奈川工科大學 KAIT 廣場

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隨著科技日新月異,在熙熙攘攘的大城市中,高樓大廈比比皆是。雖絢爛奪目,卻使我們淡忘鳥語花香,忘記靜下心聆聽自然的耳語。繼神奈川工科大學KAIT工坊,石上純也再度操刀,利用KAIT工坊東側毗鄰校園的一角,設計一座多功能的KAIT廣場(KAIT Plaza),不但落實與自然共存的理念,同時兼顧建築的實用性,新穎的建築結構不僅令人嘆為觀止,同時也為建築設計掀開新序幕。   室內的地平線 在既有的框架中去蕪存菁找出突破點,開創出新道路,是石上純也的設計理念。由於神奈川工科大學校園內部多有高樓環繞,阻擋住原有的自然風光,於是設計團隊透過巧思使用不同於傳統建築的設計模式,使KAIT廣場的結構並非往上建設,而是向地下延伸。   透過壓低屋頂高度以保留周邊建築的窗景。 KAIT廣場,佔地面積為129,335.04平方公尺,建築面積為4,109.78平方公尺,延床面積為1,376.42平方公尺。設計初期,設計團隊從KAIT工坊內部看出去的景色為出發點,運用寬廣的占地,嵌入一座低於地平面約2公尺深的建築,不但能顧及KAIT工坊的窗外景色,也同時創造出與地形融為一體的新天地。 考量到地面廣度以及周邊建築的窗景,設計團隊盡量將廣場建築的天花板壓低,地面則採用弧狀設計,使屋頂與底面的交接恍若天空與地面相連。人們在建築中宛如置身在地平線,將所有自然景色盡收眼底。 KAIT廣場位於神奈川工科大學校園,佔地面積為129,335.04平方公尺,建築面積為4,109.78平方公尺,延床面積為1,376.42平方公尺。    半露天廣場 乍看KAIT廣場內部空曠遼闊,卻蘊含豐富多變的自然風光和純粹真摯的情感。廣場的鐵皮屋頂採用半露天設計,共設有59個不規則排列的方形大開口引入日光。低矮的天花板不只能避免陽光直射,光線也僅會照亮每個開口區塊,利用自然的光與影為建築內部交織出簡約之美。 屋頂施工過程。   廣場融合了科學技術與自然元素,試圖拉近人們與環境之間的距離。為了打造出室內設計與室外環境融合的新空間,屋頂上的方形開口並未裝設玻璃,因此即使身處室內,也能感受環境的雨水輕打,微風吹拂。靜謐廣場彷彿世外桃源,無論風雨陰晴、四季遞嬗,人們在廣場內部亦有如同身在戶外的體驗,盡情徜徉在大自然的懷抱中。而屋頂的半開放式設計不單照亮空間,更在視覺上增加風景的延展性,在半露天型式裡保留一半環境特質、一半建築要素,使室內呈現「室外」的既視感。 科技與自然並存 相較於由多根鋼柱支撐而起的KAIT工坊,KAIT廣場內部以毫無梁柱結構而備受矚目。無柱結構工法在原有的地理限制下取得平衡點,創造出宛若地下丘陵般綿延無際的寬廣場域。廣場的建築比例、材料及技術皆為土木工程,巨大的鋼筋混泥土地樑基礎上設置了83跟樁子和54根地錨,能承受來自各方的載荷,並滿足各式型態及特殊使用功能的要求,為建築設計帶來靈活性。由於建築的尺度巨大,最大跨度為90公尺左右。 隨著季節變換,鐵皮屋頂的高度因熱漲冷縮,會有大約30公分的高低差距,有如一座會呼吸的建築。無梁柱設計也提升了廣場自由運用可能,讓寬敞明亮的無障礙空間,提供校園作為多功能用途的共享場域,學生們平時不僅能在廣場中自在地休息、小憩、談天;雨天時,體育生們亦能進行短跑練習,想在廣場舉行任何活動或展覽也不成問題。 利用自然的光與影為建築內部交織出簡約之美。   廣場地面呈現丘陵般的斜面,可供人隨意坐臥靠躺,取代座椅功能,減去擺放家具的必要性。地面材質則使用鋪裝車道的透水性瀝青,地面可瞬間吸收落下的雨水並使其流入土壤中,令地面維持乾爽的狀態,減少雨水接觸到肌膚的不適感。 當人坐在廣場內部,可以感受到身體與建築直接的緊密連結並與周遭環境合而為一,接受微風吹拂,仰望雲層及陽光變化;觀察光影交替,享受雨水拍打;欣賞雪花靜落,感覺似是抽離,卻又身在其中。在喧囂的大城市中,這裡宛若新世界充滿自然的氣息,為繁忙的人們打造能夠放慢腳步和療癒心靈的空間,站在地平線觀賞萬物變化,捕捉打動人心的美好時刻。 屋頂設置共59個大方格,營造室內外流通的洞口,同時照明廣場內部。   石上純也在KAIT廣場作品,以獨特的空間結構能滿足各種需求,比起人們「使用」空間的方式,他更希望能將設計核心著重於人們「身在」廣場中的感受。KAIT廣場不單是可善加利用的多功能空間,在這裡度過的每分每秒,所有切身體會到的感受才是此建築帶來最珍貴的寶藏。   設計師簡介 石上純也建築事務所創辦人/石上純也 畢業於東京藝術大學建築系,曾任職於SANAA建築事務所,並於2004年成立石上純也建築事務所。主要作品為《Vijversburg遊客中心》、《水庭》,《神奈川工科大學KAIT工房》為其建築代表作。2019年獲邀設計蛇形藝廊夏季展亭。2018年於巴黎卡地亞當代藝術基金會展出「Freeing Architecture - 自由建築」,並於隔年巡展至上海當代藝術博物館。曾榮獲日本建築協會獎、第12屆威尼斯建築雙年展金獅獎、每日設計獎等多項獎項肯定。 圖片提供與版權」石上純也建築設計事務所 撰文」紀奕安  

史孟康 東方設計精品「款(Kuan)」

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人生一定會擁有幾顆印章,你可曾想過印章背後的歷史脈絡,或者是它所代表的意義?來台28年的DDG美商方策顧問有限公司執行總監史孟康(Mark Stocker,以下簡稱Mark)大學時主修經濟,並因興趣而選搭亞洲文化藝術課程,畢業後因緣際會來到台灣工作並定居,提供眾多台灣品牌行銷方面的專業,協助其立足於國際;另一方面,也不忘自身熱愛東方文化的初心,遂成立「款(Kuan)」,將印章結合與現代美感和設計品味,卻依舊保有文化精神,期盼印章可受到更多尊重和欣賞。本期人物專訪邀請Mark來分享創立品牌的契機,以及想傳達的意涵。 史孟康(Mark Stocker) 來自美國的史孟康,就讀加州大學洛杉磯分校(UCLA)時修習了東亞地區研究,開始對亞洲文化產生興趣,其中尤對中國藝術情有獨鍾,曾蒐集鼻煙壺等多種中國代表藝術品。畢業後赴台灣居住將近30年,擔任美商方策顧問(DDG)執行總監,曾為大中華區上百家企業打造具有國際競爭力的品牌,有「品牌顧問專家」的封號。2018年他和陳明珠共同創立東方設計精品「款」,期望將篆字入銅印之歷史軌跡繼續流傳,帶給大眾嶄新不凡的用印體驗。 台灣設計品牌「款」解構常見的印章,將傳統的文化精神以現代美學詮釋,賦予印章更進一步的價值。 Mark在高中時期跟隨父母搬至香港,並就讀國際學校,期間陸續造訪了台灣和中國大陸,人生的第一顆印章也是於中國西安所購買,他笑說當時還沒有中文名字,印章上刻的是音譯的「馬克」,做工和質感也頗粗糙,但十分具紀念意義;爾後,返回美國就讀大學時,因自身興趣驅使,在主修經濟之餘,亦選修了關於亞洲文化藝術的課程,並於畢業後來到台灣工作,創立DDG,利用西方視角和經濟專業協助台灣品牌的策略發展與行銷,也不間斷地培養自己對品牌的認知跟了解;5年前,公司承接了台灣最具代表性的金點設計獎(Golden Pin)的公關事務和相關策略操作,著重華人設計概念的金點設計獎,觸動了Mark內心的「亞洲魂」,便開始關注台灣極具意義的事物。 他發現,印章對台灣人來說應該是很重要的物件,舉凡銀行開戶、創業、購屋等都需使用到,但台灣的印章店不論是外觀或是內部,大多老舊雜亂,而藉由電腦刻印的成品,雖然快速便利,但卻僵化制式,感受不到它的生命力,這令Mark深覺可惜,他認為印章是代表個人的一種象徵,其背後更有著悠長深厚的歷史發展脈絡,應該重新定位它的價值和美感,遂決定創立一個以印藝為主軸的品牌。   利用高磁效能使握柄(上款)和印紐(下款)得以拆解,分離式設計相當創新,也帶來更便利的使用經驗。 重塑對「印」的認知 人類最早的文字銅璽印來自殷商時期的殷商三璽,距今已有3000多年的歷史。銅璽印蓬勃發展源至春秋戰國時期,當時人們在腰際配戴銅璽印,「印」在當時代表了一個人的信譽和身份,古語云:「印如人」正為此意,從古至今「印」也是兼具實用和美學的東方微型藝術。Mark深入爬梳關於印章的歷史,期望將華人特有的用印文化,透過當代的簡約美學設計作為載體傳承延續。 品牌命名為「款」,乃自於「落款」,即「留下印記」之意,過去文人雅士於創作和收藏品中,皆能找到落款的個人印跡,代表著個人身份品味與藝術涵養,另外,現代詞彙中,「款」字具有多重意思,提款中的款,代表錢財、款式的款,代表式樣;因此Mark認為這個名稱既能說明印章的功用和涵義,也於無形間表述品牌欲推出多種樣式的企圖心。   印紐採用黃銅,比起傳統印章的木頭、石材的使用壽命更為長久,質感也更大器。 款目前有個人章與公司章兩種商品,個人章的外觀融合黃銅與不鏽鋼的大器雋永,以及宋朝花器的「開片技法」,跳脫市面常見的長條印章形式,將形體拆分為「上款」(握柄)和「下款」(印紐),並分「方款」和「圓款」兩種造型。歷經多時研發,導入高磁效能吸附,讓上下兩個部分得以分離,一個握柄可搭配多種印紐,能針對不同場合隨心替換使用的印章,不僅是相當具創新的突破,也增加了使用上的便利。 甫於去年推出的公司章則結合「方圓」意象,上下是方形,中間為圓形,符合人體工學容易握取,特別之處在於這是顆「雙面印」,將「大小章」的概念合而為一,再度顛覆傳統印章的設計思維,設計靈感來自中國西魏的一代名將獨孤信所持的「多面體煤精組印」,身為朝廷重用的官員,他隨身攜帶這只共有26面的璽印經手各式公文書信,激發了品牌製作雙面印的想法。Mark補充說道,款所推出的商品,所有的設計概念皆有史實依循,字體亦有別於傳統印章的電腦字,彙整漢字入印,團隊針對篆體進行深入的考究,目前統整出十多種具明確風格和特色的篆體,供消費者選刻,每一款字形皆有其文化和歷史淵源,並由專屬藝術家手繪訂製,程序嚴謹,每個成品皆獨一無二。   下款的文字提供多種篆體字,品牌梳理歷代篆書的發展,歸類出十多種具風格特色的字形,呈現用印文化的脈絡。消費者選定喜愛之字體後,會由專屬藝術家手繪訂製。 品牌發展的建議 Mark提到,「款」這個品牌旨在表述印章所富含的深厚底蘊,他希望可以傳遞一個訊息給台灣人,就是我們擁有許多有意義的東西,應該要更加被重視,要對華人設計與台灣文化抱持著驕傲感,並尊重生活周遭所有的事物,也期望透過保有過往精神卻又創新的印章,提點出設計創作的美好。 身為專業的品牌顧問,Mark認為發展品牌最重要的是「對於議題的深化了解」,只有深入挖掘,才有可能把話題變成專業,並從中找到與他人的差異性,若僅一味追求潮流,其實風險較大,無論如何,創新和差異才是長久發展的最佳方式;由於品牌創立需耗費許多時間,他建議創業者需調整好心態,除了設定好最終的「成功」目標,中途的「小成就」更是不可或缺的環節,這些經驗會引領你不放棄地持續向前走,並使這段過程蛻變成甜美的果實。Mark也期許「款」可以不間斷研究、研發的步伐,創造更多異業合作的機會,讓印藝文化更深入你我的日常生活。 去年新推出的「公司章」,將大小章概念合而為一,外型融合方、圓線條,亦符合人體工學,蓋章時容易施力。 資料及圖片提供」款(Kuan) 採訪」陳映蓁

臺南市立圖書館新總館開幕

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眾所期待的臺南市立圖書館新總館已於日前正式開幕啟用,由張瑪龍陳玉霖聯合建築師事務所與荷蘭Mecanoo建築師事務共同設計,共歷時3年多,跳脫以往圖書館給人的既定印象,新總館內部有許多特色空間,例如刺激幼兒學習的五感探索區,及各式各樣符合最新圖書館發展趨勢的空間,以期滿足各年齡層的需求。   新總館外觀。 結合在地風土 市圖新總館建築工程由荷蘭建築師的國際團隊與臺灣的張瑪龍建築師團隊共同合作;所有經費皆由市府獨力負擔、推動興建,整體規劃具有前瞻性、統合性、研究性。倒立階梯式外觀創造出遮陰空間,立面的格柵圖騰,靈感來自台南老屋窗花,讓圖書館與在地文化歷史產生連結,一入館,挑高的大廳懸吊著英國藝術家保羅.考克斯基(Paul Cocksedge)創作的「陣風(Gust of Wind)」,像是凝結了書頁隨風騰飛的瞬間,傳達思想的自由,和紙本閱讀的快樂。 1樓大廳。  大廳公共藝術:英國藝術家保羅.考克斯基(Paul Cocksedge)創作的「陣風(Gust of Wind)」。 新總館可滿足未來30年市民閱讀、知識學習及資訊檢索需求,可容納百萬冊館藏,依分齡分眾設置兒童、青少年、樂齡等專區,並有提供視障朋友使用,多達500多冊的雙視書;值得一提的是,4樓典藏1萬6千多件日治時期的書籍,另設有台南資料中心,對讀者來說絕對是值得挖掘的知識寶庫。另提供多項全國首創的服務,如規模最大的24小時取還書區、4樓的創客空間提供皮雕、數位割字機等設備,鼓勵年輕人自造風潮,更設有獨立書店「烏邦圖」,為首座館內設有書店的圖書館。 4樓「烏邦圖書店」。 而新總館不只滿溢書香,更是一座美術館跟博物館,館內豐富多樣的公共藝術、藝文展覽,是充實心靈、放鬆休憩的最佳場域。開館首檔特展與國立故宮博物院合作,推出「藝起冒險–一場始於十七世紀的數位旅程」特展,運用擴增實境(AR)、虛擬實境(VR)、沉浸式劇場等數位科技,呈現冒險主題。亦規劃「臺南名人堂」常設展,運用光雕投影、浮空投影、手繪動畫等多媒體互動裝置,讓200多位前人貢獻台南的歷史資產,跨越時空,躍然於眼前。還有,各個空間有在地藝術家的創作,走著走著不經意間就會和藝術相遇。 6樓藝廊。 B1兒童區。   資料提圖片提供」臺南市立圖書館 編輯」陳映蓁

校園美感再進化 五大類別打造美學教育環境

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由教育部發起、台灣設計研究院所執行的「學美‧美學—校園美感設計實踐計畫」,自 2020 年起,已經完成 9 間的校園改造。2021 年更是挑戰 25 所學校的美感變身的工程。1 月 12 日在松山文創園區舉行至今 3 階段的成果分享會,由教育部蔡清華次長親自主持,邀請參與計畫 25 所學校的校長、設計團隊總監現身說法,分享設計專業進入校園進行改造以來,在校園內所掀起的熱門議題及實際行動。今年「學美‧美學」計畫改造共分為 5 大類別:   特色教室 改造班級或各科專業教學教室。以嘉義市嘉北國小為例,管樂隊一直都是學校引以為傲的特色,校內卻缺乏適合表演和練習的場地。改造團隊設計出全國第一個多達4種變換模組的管樂教室:教學、團練、表演、獨奏。有了適合練習和初次登台表演的地方後,期待嘉北國小未來能培育出下一個國際級音樂家! 改造前 改造後   機能收納 創造更靈活的魔術空間。如花蓮縣東華大學附設小的教室,缺乏收納個人物品和教具空間,改造前的教室顯得十分擁擠狹小。設計團隊進場後,為每個學生打造專屬的書包櫃,並在整面的黑板牆後面導入隱藏式的教具收納櫃;另外打造伸縮的教師桌,讓老師可以個別指導學生作業,除了解決空間不足與收納的問題外,也讓有限的空間作最大的利用。 改造前 改造後   指標及空間翻轉 改善原有校舍設計不良的問題。國立宜蘭特殊教育學校希望去除川堂原本沉重暗淡的形象,營造美感及溫暖的意象。改造團隊進場後,簡化了空間訊息,將剛硬的線條改成圓角,同時把花崗岩立面及鐵窗去除,改以混沙白漆覆蓋牆面增加層次與活潑感,最後掛上特教師生共同創作的彩繪,展現宜特孩子突破身體的禁錮、如同在天空自由翱翔般的創意。 改造前 改造後   閒置空間再造 解決因學生人數減少或因教學環境變遷、建築或空間出現的閒置問題。以台南市西港國中為例,視聽教室閒置已久,改造團隊以白色為基調,搭配淺色的木質元素把教室改造成明亮舒服的閱讀,並打開其中一面牆,讓孩子在看書的同時,也能親近矗立在外面 50 多年的老榕樹。 改造前 改造後   生態學習 讓孩子親近自然、師法自然。桃園市平鎮幼兒園的改造,翻轉原有的罐頭遊具,以客家族群居住生活的代表「丘陵」為發想,校門入口廣場,重新規劃入園動線,擴大孩子戶外活動的範圍,結合客家丘陵地景,活用自然素材,把戶外區域重新打造成可動可靜的空間,啟發幼兒在戶外與自然植栽一起活動,感受陽光、快樂、活力與美感的新天地。 改造前 改造後 台灣設計研究院表示,「學美.美學」計畫是透過導入設計思維以驅動教育革新。環境的改造只是手段,真正的改造則是改變師生行為、生活習慣及教學模式。讓下一代透過環境的改變看到一個經過設計思考而產生轉變與充滿美感的環境,讓「美感從教育紮根」能夠被更落實在台灣的教育中。   資料及圖片提供」台灣設計研究院 編輯」林慧慈

藝術與空間的對話 抽象藝術的先鋒者—陳道明個展

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誠品畫廊自 2010 年與藝術家陳道明開始合作,分別在 2012、2015 以及 2017 年皆舉辦過陳道明的個展,睽違三年的時間,誠品畫廊再次於 2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日舉行「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」。陳道明是東方畫會的創辦人之一,一生致力於藝術創作,更被蕭勤肯定為台灣第一位抽象派畫家,此次展覽以陳道明最廣為人知的晚期作品作為開端,一共挑選 21 幅 2000 年後的創作作為系列個展的起點。 誠品畫廊表示,此系列個展預計共會有三次的展覽,希望帶領觀眾回溯藝術家的創作生命,第一個展覽將從終點往回走,透過不同階段創作的展示,讓觀眾認識藝術家的創作歷程。《室內》特別專訪誠品畫廊總監趙琍女士以及陳道明的兒子設計師陳連武帶看展覽亮點,暢談陳道明的藝術精神如何落實於空間美學。 陳連武 城市室內裝修有限公司設計總監 出生藝術世家,父親為東方畫會創始人之一陳道明先生。畢業於台北淡江大學建築系,並以第一名的成績保送研究所。後赴美國紐約一年進修經歷,養成其獨樹一格的設計風貌。為得獎經歷涵括全球四大設計獎(德國 iF 設計獎、德國 red dot 紅點設計大獎、日本 G-mark Good Design Award、美國 IDEA 傑出工業設計獎)的台灣室內設計師。  趙琍 誠品畫廊執行總監 於1980年代投入畫廊業,在累積逾40年之專業經歷期間,致力經營華人現、當代藝術之優秀創作者,並以卓越前瞻的眼光發掘和推廣海內外傑出華人藝術家,包括蔡國強、徐冰、劉小東、展望、蘇旺伸、林明弘、黃海昌、謝素梅,以及年輕藝術家如陸亮、賴志盛、林彥瑋等,均具備豐富的國際展覽經歷並為其建立了廣泛的收藏族群。   與藝術家的緣分 誠品畫廊與陳道明的合作其實源於兒子陳連武的積極促成,陳連武認為父親的畫作應該被更多人看見,在多次拜訪誠品畫廊總監趙琍女士後,誠品也成為唯一代理陳道明作品的畫廊。在2012 年舉辦的第一次個展中,陳道明曾和兒子說:「我的畫作有一種回到家的感覺。」這句話讓陳連武至今仍印象深刻,覺得身為兒子的他為父親作了一件對的事情。 陳道明在 2017 年離開人世,此次的展覽不同於以往,不是與藝術家本人接洽,而是透過他的兒子陳連武聯繫,陳連武說:「與誠品多年的合作中,他看到誠品對藝術家的尊重,不會以商業角度侷限藝術創作。」所以對於展覽的規劃安排他十分信任總監趙琍,在導覽的過程中,他也再次感受到誠品的用心,不管是畫作的選擇、順序與動線的安排、場地的設計到畫作的擺設等,也讓他再次透過不一樣的角度重新細細品味父親的畫作。   展覽的梳理 陳道明的作品大多都是無題,而展覽的第一幅作品選擇了少數有命題的畫作〈土地公 土地婆〉。總監趙琍表示,這幅畫作與其他 20 幅畫作除了相異之外,更存在一種矛盾感,也是唯一一個有人在內的具象代表,同時畫作的名稱意外的讓人覺得有種安定的感覺,所以初期討論時就決定將其作為入口的首幅展示,作為開端同時引導觀眾的動線。而展覽的壓軸作品〈201631〉更是展覽的一大亮點,因為畫廊空間不像一般的美術館,樓高、尺度都較微侷限,為了讓畫作之間不互相影響,所以有些畫作需要單獨擺放,〈201631〉就是如此。 〈201631〉是陳道明生命階段倒數的創作作品,從畫作中可以看到其對自我內在追尋與探討所寫下的結語,自幼學習水墨畫、油畫、到後期西方抽象繪畫,作品表現出陳道明一生的創作能量,具有十足的視覺張力,所以規劃在展覽最後的空間中,同時跳脫畫廊白盒子的概念,為〈201631〉量身打造展示間, 背景透過與作品相呼應的綠,並在前方擺放了一張長椅,讓人們轉折進入空間、心境沉澱後,與畫作做進一步的交流、對話。   而陳連武身為室內設計師,向來積極落實空間藝術化,不同於大多設計師,陳連武在進入設計階段前就會先挑選好畫作,許多業主也因為他的推薦而首次踏入畫廊。因成長背景的養成,陳連武深受父親的影響,對於藝術品的認知更為嚴謹、尊重,他認為,藝術品不該作為空間的附屬品,不該被當成裝飾、擺飾品,不能有著隨時要替換的想法,所以在他的案子中看不到吊畫軌道以及吊掛線的設置,他強調,設計師對於藝術品價值的定義,會進而影響設計的高度,所以當決定擺放的畫作後,才會開始討論牆面的顏色、材質,畫作前方的擺設以及動線等,均不能影響藝術品本身。 總監趙琍也十分認同陳連武的設計觀念,她談到,裝修設計會隨時代的演變過時,且可以持續更換,但藝術品卻是永恆的,藉由藝術品去延伸空間設計,可以讓藝術品更有意義。陳連武更進一步指出,燈光也是藝術品與空間重要的橋樑,透過均勻照明打量主體,再以局部重點光突顯,避免燈飾形成的陰影影響畫作,讓畫作如同在畫廊展示般,在室內空間中成為和諧且亮眼的存在。   觀眾常為陳道明在色彩和技巧間的掌控度感到懾服,沈溺在其韻味之中。但對陳道明而言,他的重點在於創作的過程,他曾說:「作品的意義是心靈意識活動的一種記錄,原則上是抽象的,我在表達內在生命意象的過程中,盡量不受任何干擾,以求達到沒有結論又有結論的境界,美的醜的,本身即是獨立完整的生命,我只不過用我的語言把感覺訴諸畫面而已。」這也是陳道明在創作晚期一直堅持的理念。2020「抽象藝術的先鋒者—陳道明個展」透過誠品畫廊的重新梳理,將帶領觀眾再次品味藝術家陳道明的創作能量。   展覽資訊 抽象藝術的先鋒者——陳道明個展 日期」2020 年 12 月 25 日至 2021 年 1 月 23 日 地點」誠品畫廊|台北市信義區菸廠路 88 號 B1(誠品生活松菸店) 開放時間」週二至週六 11:00-19:00(週日、週一休館) 資料及圖片提供」誠品畫廊  採訪」歐陽青昀

2020 亞太區室內設計大獎

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2020 亞太區室內設計大獎(APIDA)從今年 6 月開始徵件,在歷經 2 個多月的評選與討論後,於 12 月 23 日舉行線上頒獎典禮,公佈獲獎名單,表揚和鼓勵傑出的室內設計作品以及設計師。 由香港室內設計協會(HKIDA)主辦的亞太區室內設計大獎(APIDA)今年邁入第 28 屆,創立終旨在表揚傑出的室內設計作品和設計師,同時希望提高業界的專業水準和操守,自舉辦以來就備受認可,是著名的室內設計大獎之一,獎項分為 12 個類別,每個類別會選出金、銀、銅和優秀獎。評審團集國內外的室內設計大師組成,今年的評選準則共有四項,分別是原創性、功能性、空間計劃性以及美觀性。 香港室內設計協會會長何宗憲表示:「很榮幸亞太區室內設計大獎能再次提高亞太室內設計的專業水準,我們將繼續不懈地推動室內設計流行發展與趨勢。」   今年一共收到 700 多件的投稿作品,包括來自香港、中國、台灣、日本、新加坡、馬來西亞、印尼、美國等地區,最後選出 70 件得獎作品。其中台灣設計師在小型居住空間類別中表現亮眼,金獎由禾睿設計「軸引時光」、銀獎為掘覺空間設計「層疊」、優項獎由向度設計「頭。層/之間」拿下;水相設計的「凝結的時光展」、「湖泊下閱讀」分別獲得休閒及娛樂空間的金獎以及公共機構空間的銀獎;樹屋室內裝修設計有限公司的「野放」獲得小型工作空間的優秀獎;而學生作品的銀獎由國立台灣科技大學陳建勳、金子容的「佛學塔」,銅獎由國立台灣科技大學林正耀的「Shell Plaza」獲得。   2020 年因新冠疫情,世界有了很大的改變。在頒獎典禮的開頭,大會邀請今年的評審們拍攝了一段影片,希望大家能共度難關、也給予年輕設計師一些建議與鼓勵。影片的最後用梵谷名言勉勵大家"If I cease searching, then, woe is me, I am lost. That is how I look at it - keep going, keep going come what may."(如果我停止搜索,那麼,我將是不幸的,我迷失了,這就是我的看法—繼續前進,繼續前進,一切可能發生。)(完整得獎名單請參考亞太區室內設計大獎網站)   亞太區室內設計大獎 金獎名單 最佳香港作品大獎、購物空間金獎 K11 Musea/新世界發展有限公司 K11 MUSEA 坐落在前身為藍煙囪貨倉碼頭的舊址,設計重心在紀念其獨特歷史價值及文化交匯點的地位,並秉持孕育本地藝術及文化發展的宗旨。   用餐空間金獎 Nana's Green Tea Eias Okinawa Toyosaki/KAMITOPEN Co., Ltd. 品牌希望藉由抹茶向世界介紹新的日本的形式,因此空間以現代茶室風格取代日式,透過現代手法詮釋,使人能享受日本傳統的茶文化。   酒店空間金獎 金普頓大安酒店/如恩設計研究室 如何將一棟居居宅改建為酒店,是主要挑戰。酒店被概念化為一庇護所空間,希望成為城市的靜修處,提供旅客一個可以短暫撤退、可以沈思的內向空間。   設施及展覽空間金獎 阿那亞藝術中心/如恩設計研究室 阿那亞十分重視精神生活。因此,藝術中心不僅要成為居民的公共場所,又必須是展覽空間。建築外觀從附近海洋的季節性變化中汲取​​靈感,試圖顛覆藝術與公共空間的概念。   休閒及娛樂空間金獎 凝結的時光展/水相設計有限公司 跳脫年歲久遠的老藥櫃背景,沒有陳年藥材的古老氣味,人們可藉空間、飲食、SPA共塑當代五感文化,回頭體驗中醫內外養生的傾古之道。   居住空間金獎 謐境/雲行空間建築設計 導演、獨居、信仰、物欲極低、精神需求極高,多重身份與需求,讓空間創意劃分逐漸明朗,配合空間調性,看似微弱,實則是內心篤定的精神探求。   公共機構空間金獎 閱時光/廣州共生形態工程設計有限公司 將閱讀中心與接待中心相融合,兼顧以「書」為核心的消費動線和以「購房」為核心的體驗動線,形成功能分區與相互導流。   樣板空間金獎 黑曜石嶼墅/尚諾柏納空間策劃聯合事務所 為突顯其無與倫比的體量,深度挖掘居住者的生活追求及品位所在,借黑曜石的質感展現空間的尺度和穩重,為居住者打造高端酒店、會所式度假湖居。 寂/廣州共生形態工程設計有限公司 日光半斜,透過半透的樟子紙灑下,木材自然的清香,被光影催化,彌漫其中,仿佛所有潛在的懷舊、懷鄉、回歸自然的情緒,都得到了補償。   工作空間金獎 西鴿酒莊/成都相上文象建築裝飾工程設計有限公司 整個酒莊的設計大開大合,並以「可持續性」為導向,運用賀蘭山石形成內部景觀、可回收蟲蝕柚木製成門與天花板結構,回應著延綿起伏的賀蘭山形態。   小型居住空間金獎 軸引時光/禾睿設計 方、圓、光線組構成一個幾何的用餐場域,生活的軸線由此處展開,各個元素的結合產生了人與人之間輕鬆交流的愜意空間。   小型工作空金獎 MGY Base/teamSTAR MGY BASE 是服裝品牌的工作室,建築外觀吸引著人們的注意力。因應新冠疫情,使設計團隊深思辦公空間的意義是什麼?而這座工作室就是其中一種答案。   學生設計金獎 重建溝通—巴別塔/黃曉彬 - 廣州美術學院 在大型城市建築中引入城市公共空間,並將其作為建築的核心使用場景來營造,激勵和引導城市公共活動,希望能以空間治癒人心,減少隔閡增加溝通。 資料及圖片提供」香港室內設計協會 HKIDA  編輯」歐陽青昀

找回環境裡應有的光 台灣光環境獎評審鼎談

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2020 年台灣光環境獎頒獎典禮於 12 月 11 日在雲門劇場圓滿落幕,由總統府、Lightwell、大溪歷史光廊道、河樂廣場等 4 件作品獲得評審團肯定,評審團特別獎則頒予司馬庫斯無藍害部落。《室內》雜誌特別於典禮後邀請主辦單位中強光電文化藝術基金會董事長姚政仲與評審官政能老師、吳瑪悧老師,一同分享他們對於每件作品的看法,以及對於台灣光環境的深入觀察。   姚政仲(內文簡稱姚) 曾任奧地利 195711 建築研究室合夥設計師 1991 年擔任實踐大學創立室內空間設計系系主任 1999 年創立太一設計,在住宅與商業空間設計以現代洗練美學樹立特色,同時亦善於規劃各類文化藝術空間,並策劃多項國際設計展。   官政能(內文簡稱官) 現任實踐大學榮譽講座教授 紐約 Pratt Institute 工業設計碩士畢業 曾任實踐大學副校長、德國科隆應用科技大學國際設計學院、德國福茲堡應用科技大學客座教授   吳瑪悧(內文簡稱吳) 現任國立高雄師範大學跨領域藝術研究所副教授 德國杜賽道夫國立藝術學院雕塑系大師生 2018台北雙年展『後自然—美術館做為一個生態系統』共同策展人 2016 第十九屆國家文藝獎得主 2013策劃『樹梅坑溪環境藝術行動』獲得第11屆台新藝術獎 Q:請談談本次得獎作品,各有何優勢能脫穎而出? 總統府 官:總統府的設計,我想「突破限制」與「改變認知」是兩大重點,總統府是歷史建築,也是十分重要的政治中心,人車進出都必須經過重重關卡,已有的燈光、管線位置也無法更動;「認知」則是在大眾的心裡「總統府就是總統府」,感覺不好親近,也沒有人會去更動它。從這兩個角度出發,設計師需要呈現出總統府的態度,經過數位技術的配合,讓光線的樣貌配合天候改變,在入夜後會漸漸暗下來,呈現出不同的表情,傳達總統府「存在」的安定感。 我覺得最好的呈現,應該是與周遭環境相互作用,呈現莊嚴及溫馨的面貌。此外,總統府作為博愛特區的中心,周遭有許多公共機關,也期待以總統府作為示範點,連帶周遭的其他機構效法,形成群起的效應。我們非常佩服原碩照明在這麼長的時間裡,克服了燈具、位置的限制,他們需要不停測試、從不同角度觀察,才能呈現出最好的面貌,並照顧到建築本身,以及其對天候、對人、對建築及其歷史都有呼應,呈現出總統府所期待的表情。 總統府。攝影」鄭錦銘 Lightwell 吳:Lightwell 是一個特別的作品,跟總統府恰好有些對比,是一個商業空間中的藝術作品,採用折射的方式,讓光線照在材質上呈現出不同的色彩,單就手法而言跟其他商業空間就產生差異,十分精彩。而空間本身也令人讚嘆,建築在光線跟景的塑造上簡潔俐落,透過天井引入日光,再透過與藝術家高德亮的合作,創造出空間中較有表現性的主軸。而除了日光的運用外,藝術家也具有巧思,利用軌道使人造光源移動,進而展現出折射後的色彩效果,不管是建築師、藝術家或業主,對於整體空間環境的營造都十分重視,使 Lightwell 展現出與其他商業空間案例不同的面貌,或許是受到劇場出身的業主影響,空間擁有很豐富的表情以及故事性。   官:Lightwell 本身就是一個故事,這是業主的阿嬤留給他的房子,天井也是自早期就存在那邊的,名字「Lightwell」意指光的天井,轉換成動詞也可以藉指「點亮得好」,業主在用這個新的名字去回應老房子、尊重老房子。其中業主跟藝術家都是初次嘗試,空間中充滿探索、實驗性,如同一塊畫布、雕塑的作品,這個裝置不只運用人造燈光,更將日光視為主要材料,運用日光的移動折射出不同的曼妙色彩。它作為選物店暨藝術展覽空間,建築師在空間裡設置了很多框景,每個框裡所見的景象就如同一幅畫一樣,跟以往所見的商業空間案例不同,設定出了層次與變化,藝術展覽跟空間也互相呼應,令每個參觀者都有不同的感受及體驗。 LIGHTWELL空間「棲夢幻室」展覽照。圖片提供」LIGHTWELL   大溪歷史光廊道 吳:通常我們看到歷史建築的照明,往往是著重在建築本身,但大溪歷史光廊道比較特別,它更注重整體環境、人們在夜間如何走向建築,因此連公園、環境也一起改善,我覺得這個是很重要的,因為光環境獎所探討的是整體的環境,而非僅關注照明。   官:我們現場去看大溪歷史光廊道的時候,它跟舊有的路燈只有一線之隔,對設計團隊來說,他們需要努力嘗試與附近居民溝通,並不停證明自己的論點。在討論、施作的日子裡,團隊會對地方產生感受,他們甚至告訴我,雖然他們沒有權力去更換路燈,但仍不停思考「假如這樣會更好」。最後作品呈現出來變成一個具體的實踐、對照,喚醒居民開始「看到」並注重夜間的光,而非習以為常的熾亮,設計師也告訴我們,在作品完成後,有些附近的居民就漸漸在意了,自己著手改善自己家的燈光。 大溪歷史「光」廊道。 圖片提供」大溪木藝生態博物館 河樂廣場 吳:建築師將具有歷史的中國城拆掉後打造出親水休閒空間,保留部分舊有建築創造出地下廊道,使得空間兼具開放及私密性,也因為空間處理層次相當豐富,光如何對應就相對重要,必須與建築師一同思考空間感,以及對方所欲創造的屬性。本案在光的設計上為空間賦予應有的溫度與照度,蘑菇狀的燈具也吻合公園的概念,同時依照空間屬性調整,如半隱密空間較暗、開放空間則較亮,形成一種良好的對話關係。可以看到很多青少年很慵懶地躺臥在那裏聊天、聚會,我覺得是因為光所塑造出的溫馨氛圍,使得它成為一個令人容易親近的空間。   官:河樂廣場是 5 個得獎案例中唯一把水作為元素運用的作品,水連接了各個空間,因為燈光的照映,水面會呈現另一個風景、另一種表情,以光處理水,使得本案呈現出特殊的氛圍。   吳:河樂廣場的水量並不多,只是一層淺淺的水面,但對光來說卻能增添另一種面貌,透過與水互相輝映、增加亮度,塑造一種比較柔軟的感覺,柔化硬質鋪面與大型水泥遺構的冰冷。 河樂廣場。圖片提供」MVRDV 及都市里人   Q:為何將「司馬庫斯無藍害部落」列為評審團特別獎? 官:司馬庫斯是評審團一致且毫無疑慮地通過,如果形容得比較抒情,司馬庫斯就像一首詩一樣,族人們寧可在黑暗中等待適合的光,也不願接受刺眼的現代電燈,除了保存生態、避免對動植物、昆蟲造成危害之外,更是屬於族人的文化記憶,從最終的結果,我們可以感受到司馬庫斯部落的信念;有趣的是,他們所等待的那個「適合的光」卻是清大實驗室裡非常科學的產物,而這個燈也不是為了司馬庫斯而研發,但緣分卻可以讓等待與被期待相遇。給予評審團特別獎代表了我們共同的尊敬,司馬庫斯不是一個案子、不是非完成不可,他的燈具也不是專業人員所設計,是多方面共同努力的結果,是在黑暗中等待所書寫出來的一首詩,你看或不看它都在那裡。   吳:我非常同意剛剛官老師所說的,司馬庫斯的案子拉出了一個高度,我們所謂的「環境再詮釋」,一方面是人的感官,我們怎麼去感受空間的舒適度,另一個就是生物多樣性,因為在一個環境裡並不只有人,還有各種生命,都生活在那個場域裡。司馬庫斯讓我們看到環境並不全然以人類為中心思考,尊重同樣生活在這個環境裡的萬物,如何找到平衡與可能性,是這個案子最讓人感動的部分。   官:有些人會將司馬庫斯與去年得到評審團特別獎的「合歡山國際暗空公園」比較,但其實二者在意義上不太一樣,暗空公園具有一個國際標準,人們再去追求符合這個標準,但司馬庫斯是自生命、文化的角度,甚至也不是為了獲獎而製作,兩者的獲獎都是純粹偶然。 司馬庫斯無藍害部落。攝影」趙宇晨   Q:「現場決選」為光環境的一大特色,對於評審有何幫助? 姚:評審老師對於每一件作品觀察的角度、方式,以及作品在空間環境上的屬性、性質不見得一樣,所以老師們在評選作品時,他比較的不只是單一的視野、角度,不是單純地比較哪裡做得好或不好,而是更全面、整體的。不見得每一件得獎作品都是完美的,也不是沒有得獎的作品就是全然的不好,大家都有各自的優點,也或多或少有一些進步的空間,或者受到環境、各種因素的限制。評審站在相對客觀、整體的角度,他會感受到每一件作品所要傳達的光環境,表達的完整性,或是想要傳達的特質,我覺得這是評審在最後能去綜合評選最重要的原因。   官:到現場的好處在於對話,設計師要展現的、整體內在的部分,在一般照片中看不出來。同時現場參觀可以讓業主、設計師充分展現設計過程中所考量到的細節,讓我們更加了解、並有評審的依據。姚老師說沒有哪一件作品是完美的,但也因此這會變成一項功課,大家會去思考、去感受,每個地方都有自己的身分與脈絡。 我們會看每一個案例的特殊性,像剛剛提到的 Lightwell 是你要走進去才會看到,而總統府是走不進去的,大溪則是當場館休息後,另一個光的作品才會出來,所以每一件作品,大家一開始很容易覺得「這不可能」,會給予自己認知的限制,但這幾件得獎作品正好開啟了不一樣的想像。與其說我們是評審,我覺得我們更像在挖掘這些團隊如何突破限制,並探討他們所遇到的困難,這才是真正值得給大眾參考之處。   吳:我們談的是環境,環境是一個很微妙的詞,他是各種感官的組合,這個東西很難純粹以一個平面的照片去評審,你必須親身到那樣的環境中用身體去感受,你所喜愛、覺得舒服之處。同時我們跟環境的關係是一個互動式的,不同的角度、天氣都會影響到你對於一個環境的認知,所以我覺得唯有評審到現場,感受光的照明如何去塑造不一樣的空間,藉由親身的體驗才能夠評斷。   姚:這也是光環境獎一個很重要的特質,從頒發的獎項就可以看出,我們會頒給業主、環境設計團隊、照明設計團隊,競賽是從光的角度來看環境。光環境獎是比賽中的比賽,每一件參賽的作品都可以在它原先屬性的比賽中脫穎而出,它才可能是一個好的環境,再加上良好的光,來參加光環境獎。 近年來投稿的作品越來越多、範圍越來越廣,每一個項目、每個類型都有它表現的特質與方式,我們原先設定、想像的光環境評選,也會隨著評審看作品的方式而調整。我想對參賽者來說,都是希望能夠把自己看到的那個「光的可能」透過作品傳達給評審,身為主辦單位,我們很高興可以看到每一件參賽作品的特殊之處。剛剛討論的 5 件作品是截然不同的環境作品,評審必須回到現場,去看每一件作品在有光與無光之間所呈現的面貌,這對評審團是非常重要的,它不是一般的評選工作,而是設計中的設計、比賽中的比賽。 Q:您所觀察到近年光環境作品的特色? 姚:今年可以看見很多公共藝術作品利用到許多現代燈具,創新及創意都十分出色,變成城市中的一處亮點,卻無法照顧到周遭環境;另外今年也有許多展演空間投稿比賽,但往往在評選前便會被拆除,非常可惜。這不一定是藝術家、設計師的責任,可能原先標案即無規劃到環境,也可能礙於預算限制,我們希望呼籲政府及主辦單位在規劃之初,就考慮如何將短期展演的作品變成整體城市光環境的一部分,讓它可以變成示範,這是有可能做到的,有時只在業主一念之間的差異。我們常會看到投稿作品的規劃區域、建築燈光十分完善,但外面街道上的路燈、招牌燈光等卻從未整理,只要有跨部門的單位願意整合,就能顯現出完全不同的街區。   吳:近年光的演變還有一個潮流是「奇觀化」,節慶時各種活動都喜歡使用五顏六色的照明,養成了一般民眾對於光的想像與期待越來越重口味,我覺得這是雙向的,官方一直在餵養大眾這樣子華麗、繽紛的光,大眾也回應了自己的喜好與期待,但事實上我們應該反向,光環境在做的就是一個反向的工作,促使人們重新去反省什麼樣的光與環境才是好的。   官:擔任光環境獎的評審,我自己也獲益良多,在夕陽落下後,黑暗中要重新點亮的過程是科學也是藝術,並帶有一絲人文關懷。人類的眼睛其實能夠感知到非常微小的光亮,但隨著時代演變,我們開始追求更亮、更久的燈光,現代的照明往往都在爭相喧嘩,就像噪音一樣,但對於噪音我們有標準可管,卻沒想到過亮的光害對於人體、環境都會造成傷害。光環境獎希望從公共性的光開始,培養民眾認識良善的光,當觀念開始深植於心,私人建築、室內空間等也會漸漸減少不必要的燈。     Q:台灣光環境獎的下一步? 姚:台灣光環境獎的評選方式與標準大致底定,評審團之間對於台灣光環境所應呈現的面貌已經有了共通的視野與想法,本屆把作品完工年份限制取消是希望鼓勵完工已久的案子,有機會針對光的部分改善、展現新的樣貌,如同總統府的設計案,儘管已屹立百年,我們一樣歡迎它參加比賽。光環境獎在參賽標準上並沒有那麼嚴格,最重要的還是作品如何呈現提升光環境的品質,並不受時間、種類等限制拘泥,跟一般設計獎項比較不同。 此外,我們並不是希望以光去改變或者強調環境。而是找到每個環境裡「該有」的光,因此光環境不會隨著潮流而有所不同,對我們而言,在每年的參賽作品中,我們都是在發現不同的光,並且光如何與作品、環境產生關係與連結,當然,我們十分樂見往後來參賽構築在前幾屆得獎作品的優點上再去發展出屬於自己的光環境面貌。   下一步基金會希望推動城市對於光環境有一個整體的願景,為密集且緊湊的都市生活在晚間點亮一盞比較平靜柔和的光,我們開始嘗試與文化部文化資產局合作,透過我們對於城市光環境的願景與營造,梳理建築與城市、文化、歷史、生活的關係,整理出城市中重要的歷史建築,提供其與周遭環境應用的規劃準則,並藉此引導街道及區域整體的光環境,作為城市發展光環境願景的基礎。 對我而言,雖然台灣光環境獎才第三屆,我們受到的關注與公部門的期待遠超預期,表示大眾其實是在乎光環境美學的,但他可能不曉得方法,或是無法推動上級與其他部門共同合作,我們希望光環境獎的影響力能成為他們的助力,光環境的塑造需要各單位、各部門整合規劃。此外,我們十分感謝各地方政府部門的支持,經常在得到光環境獎肯定後在官方上對外積極推廣、發布得獎的訊息,例如去年的高雄市立美術館、今年得獎的大溪歷史光廊道,都可以看到主管機關對於光環境的參與及重視,我覺得對光環境而言是很好的未來。 資料及圖片提供」中強光電文化藝術基金會、各得獎單位 人物攝影」鄒昌銘 採訪」林慧慈

郭恩愷:期望能與森林樹木為伍,是我一輩子的志業

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2020年金點設計獎頒獎典禮已於日前正式落幕,以「2020」為主題,象徵突如其來的疫情為全世界帶來諸多衝擊和挑戰,卻也讓人們跳脫現狀,重新思考生活的意義,探尋更永續的未來發展路徑。典禮中更揭曉了24件「金點設計獎年度最佳設計獎」得主,其中「曲墨建築師事務所」的作品「窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間」不僅榮獲金點設計獎年度最佳設計獎殊榮,亦為第13屆台灣室內設計大獎(TID Award)年度大獎之得主,本期《室內》雜誌特別專訪曲墨建築師事務所的設計實作總監郭恩愷,邀請他暢談接觸木結構的點滴,以及樹木給予他的啟發與感動。 郭恩愷 英國建築聯盟學院碩士 AA School, UK(Architectural Association School of Architecture)Master of Architecture Design+Make 森林木人|Forest-Tect. / 主持人 淡江大學建築系|森林木十人 / 兼任講師 曲墨建築師事務所 / 木構總監   從林業到木業、木業到建築產業,研習木構設計與實作。以「樹」作為自然建築材料,永續資源利用,善加併用傳統與實驗創新思維,獨創一套蒸氣彎曲木構造系統,實踐具結構性的大型曲木構件,並達到環保無害環境的創新木建構工法。   獲獎紀錄: 2020金點設計獎|空間設計類《年度最佳設計獎》、2020 iF Design Award | Top-Class 2020、2020 TID 台灣室內設計大獎|商業空間類《TID年度大獎》、2019台北國際設計獎-公共空間類|評審團推薦獎、2018澳洲DRIVEN x DESIGN / NOW Awards國際銀獎、2017英國WA Wood Awards - Finalist、2017英國TTJ Timber InnovationAward - Thesis Finalist 郭恩愷於英國AA Hooke Park森林校區研究以彎曲整棵樹作為建築木構件單元。 談起與森林樹木結緣的起因,郭恩愷表示,從中原大學建築系畢業後,他陸續於台灣以及上海的建築師事務所工作了一段時間,期間萌生想出國深造的念頭,申請了多間世界排名前段班的學校,但在最後關頭卻總是敗在英文這關。在上海工作時,似乎也逐漸淡忘自己想出國念書的想法,直到某個週末早晨,他偶然看到一張木頭被架在機器上,準備製成材料的照片,熱愛動手做的郭恩愷,被這張由木板、機器、雙手所構成的畫面深深吸引,於是便去了解照片的出處,發現是建築聯盟學院(Architectural Association School of Architecture,簡稱AA School)在英國Hooke Park的森林校區,這是個以研究木構造為基底的「Design & Make」設計與實作研究所,需要住在森林16個月,可親手操作樹木並構建建築語彙。因為這個畫面,燃起了他想去AA School就讀的慾望,於是便毅然決然裸辭上海薪資優渥的工作,回台準備雅思,這段過程很煎熬,孤獨地苦讀一年半的英文,經歷了13次考試後,終於達到AA School所需的入學成績,郭恩愷說,十分感謝堅持下去的自己,讓他得以帶著激動的情緒和堅強的意志力前往AA School進修建築碩士,因而開啟了他與森林樹木密不可分的情誼。   從森林中獲得的養分 進入AA Hooke Park森林校區,並在那生活的500個日子,是郭恩愷身心靈最無敵珍貴及無價的美麗養分,誠如他所說:「那片森林教我的事是,感受樹、感謝樹、用手思考建築。」在英國時,他專注於研究「蒸氣曲木」,這是一種透過蒸氣高溫軟化木頭,再經由形塑手法改變木頭形態的技法,常運用於小型家具、運動用品等,郭恩愷思考的是,蒸氣曲木有沒有可能突破尺度問題,以建築尺度的方式呈現?有鑑於森林校區是一個自給自足、永續循環的校園,學校有自己的人工森林,為了讓底層生態鏈健康發展,森林需要定期疏伐,以利陽光照射入林內,而疏伐下來的樹木,則成為學生的實驗材料。學生在畢業前需要利用樹木實際蓋出一棟留在校園內的設施,郭恩愷與組員活用自身所研習的曲木技術,為原本置於戶外承受風吹日曬雨淋的製材機搭建了棚子,表達對機具的感謝之情。 利用所學的蒸氣曲木技術為製材機搭建棚子。(攝影」Valerie Bennett) 2017年,郭恩愷從AA School畢業並返回台灣,與大學志同道合的同學黃昱豪建築師共組事務所,曲墨之「曲」,取自郭恩愷對蒸氣曲木的專業;曲墨之「墨」,則代表黃昱豪對於筆墨書畫建築之專精,兩人的首要目標即為當年北美館所舉辦的「X-site計畫」競圖,因著郭恩愷在英國與森林所建立的深厚情緣,他們希望可以透過取材於台灣的森林木,讓更多人認識台灣的林木業。 郭恩愷回憶道,2017年不僅對他而言是個很驚奇的年份,更是台灣國產材的發展元年,他很幸運的在剛回國之際,參與林務局所舉辦森林見學活動,前往台灣的森林參觀了解,在這場活動中,他認識了事業上的貴人-正昌製材廠的梁國興先生(小梁老闆),正昌製材廠跟林務局租國有地造林,砍伐下來的經濟國產林木則送進製材廠加工成材料,是台灣唯一一家林業與木業共存的民間單位。郭恩愷主動向小梁老闆攀談,分享自己在英國的所學,以及希望利用國產材製造曲木建築的想望;小梁老闆也驚訝於木材所產生的多變可能性,便慷慨的贊助他4棵森林木-柳杉,這對當時才剛學成歸國、經濟條件不甚充裕的郭恩愷而言,是非常及時且龐大的支持,也開啟了他跟台灣森林木的緣分。  2017年學成回國後,參加林務局的森林見學活動,開啟了與台灣林木業的緣分。 雖然當年的X-site計畫未能奪得最終大獎,但初試啼聲的郭恩愷,也逐漸嶄露頭角,進而接到第一個委託案:中興工廠re_Gartory的公共街道家具與裝置;同時,也前往淡江大學建築系任教,他致力於牽起產、官、學的連結,在林務局和正昌製材廠的支援下,成立「森林木十人」團隊,帶領10位大四學生進駐東眼山國家森林遊樂區半個月,實際認識台灣林木業,並以柳杉疏伐木為材料,為山林「繁殖」出新的木構建築。 在台灣的首個委託案「在城市街角彎了兩棵森林樹,請進、請坐」。「樹繞凳」 與「樹繞桌」的空間裝置,賦予過路人一份更美好的街景風貌。 「取之於森林,用之於森林」是郭恩愷的初衷,「脊森」與「浮森」即為首屆團隊所誕生的兩個作品:脊森是被林相圍繞的涼亭,而浮森則為觀景樹台,能深入了解造林歷史,郭恩愷說,團隊製作的木構建築有其社會責任,需對遊客的安全負責,很感謝學生願意與他一同為台灣的山林盡棉薄之力,共創木構建築更多的發展性;這兩個作品完成的同時,正好是林務局一年一度於東眼山舉辦的「回森林家」市集盛會,邀請賓客於森林中享用餐敘,郭恩愷於會中認識了郭庭瑋(Wes)主廚,也就是「窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間」的業主。森林,給予了他一連串的際遇,冥冥之中為他指引發展方向,也拉起了與他人之間的連結關係,而這些關係,亦持續擴散中;如同他剛完成的南港瓶蓋工廠新作,業主也是因為偶然到訪EMBERS餐廳用餐,親眼見證窩流餘燼予人的張力和情緒,遂邀請郭恩愷加入創作團隊。 2019年森林木十人所完成的作品「脊森」,位於海拔980公尺的登山自導式步道的路徑上,為登山客構築一座亭下休憩喘息空間,感受與這片森林同步呼吸的動與靜。  2019年森林木十人的另一件作品「浮森」,浮空夾在森林4棵柳杉上的觀景樹廊,提供遊客登上廊台居高遠眺瞭望。 台灣林木業面臨之困境與突破 「先天條件的困難」,是台灣林木業遇到的最大難題。這些經濟林需要較寒冷的氣候環境才有利於生長,在緯度較高的其他國家,經濟林在平地上就可種植,當需要疏伐時,也只需設定好數值,再利用怪手即可伐木、也能直接進行剝樹皮的動作;反觀台灣,則需要中高海拔的環境才有辦法種植經濟林,也因為地勢關係,無法倚賴怪手伐木,只能靠伐木師傅冒著生命危險人工疏伐,一個禮拜的產量可能僅相當於國外一小時的成果,也因此,台灣在林木業上的人力資源和成本耗損高,而導致雖然國土有一半被森林所覆蓋,國產材價格卻遠高於國外進口材。 另外,由於過往的禁伐歷史,許多人不清楚台灣山林分為天然林與經濟林,前者需要保護,後者則需定期播種和收割,才能使生態循環更為正向;而環保意識抬頭後,伐樹似乎與破壞環境劃上等號,造成台灣在推動國產材這部分窒礙難行,直到2017年林務局才開始改革林業,也因起步較晚,我們缺乏國產材在破壞性、耐受性等方面的參考數據,技術上也尚待有系統的成熟發展。不過,郭恩愷表示,近年來越來越多產、官、學投入林木業,開始研究材料數據,甚至也有年輕新血加入伐木師傅的行列,這都是台灣山林的一大助力。  EMBERS不僅是一間餐廳,對郭恩愷而言,是一段從台灣山脈的柳杉開始的故事。 窩流餘燼|EMBERS曲木吧台空間 郭恩愷與EMBERS主廚Wes結識於東眼山,了解他習慣利用整棵樹木操作結構性語彙,而Wes是位講求風土文化的料理人,他們對土地皆有著深厚的情感。郭恩愷認為,他以自身對針葉樹、製材的了解出發,再進行解構、再構築等動作,賦予它全新面貌與生命,就如同料理般,透過廚師對食材的認知和巧思,為饕客端出一道道令人驚奇又色香味俱全的菜色;視覺性和結構性是他在製作蒸氣曲木時特別重視的一環,窩流餘燼的奪目形態,使其成功躍入眾人眼中,彷如巢體的外觀,勾勒出人類築巢而聚的畫面,動態線性則宛若主廚烹飪時一氣呵成的流暢動作。     將整棵杉樹解構成直徑3公尺弧的蒸氣曲木構件。                  彎曲木構件以順流方向編成樹巢,並從空中流洩而下。 在製作窩流餘燼這個作品時,他親自至五峰鄉的林班挑選森林木,整棵樹木進行剖切後,再將每個樹條一一編號、蒸氣彎曲、處理表面,送到工地現場再逐一解構與拼裝;一棵樹需在森林裡成長25年至30年,才能變成供人使用的材料,因此,他抱持著物盡其用、不浪費的心情,將柳杉全幹使用,雖然被砍伐下來的樹木看似結束了生命,但透過雙手,郭恩愷在不同地方重新給予其全新的生命表情,他近乎偏執的在與樹木交流,有幸獲得TID Award年度大獎和金點設計獎年度最佳設計獎這兩項殊榮,對他而言是很大的肯定,也讓他更堅信,不論作品尺度的大小,只要用心,都有機會被看到。 蒸氣柳杉扇尾吊燈細節。 南港瓶蓋工廠-I棟Maker Space 郭恩愷剛完成位於南港瓶蓋工廠的作品,是他新成立的工作室《森林木人》的初試啼聲,親自用雙手全面利用台灣國產材「柳杉」,打造「Maker Space職人手創空間」,在這有歷史建築身分的酒瓶蓋工廠內,呈現林業、木業、maker職人產業的多面向。1樓入口大廳空間是作為接待和展示的複合區域,透過一棵森林木的開木儀式,成為入口意象;服務台是由柳杉末梢段整齊堆疊而成的檯面,兩座展示吊檯,則是柳杉主幹的製材切割而成;空間裡由柳杉製成的家具皆裝有大小不同的輪子,方便未來活動上的使用彈性,且未使用任何一支釘槍釘子,取而代之的是螺栓、螺絲固定與橘色繫緊帶紮綑實木,讓每件家具在未來能輕易拆解成實木原本的樣子,良善循環再利用的可能。 郭恩愷於近期完成的最新專案:南港瓶蓋工廠-I棟Maker Space。透過入口一棵森林木的開木儀式,呈現台灣林、木業、木作職人的共生關係。 找到永不放棄的志向並持續投入 針對日後欲嘗試的挑戰,郭恩愷提到,由於目前所完成的案子都屬於小尺度作品,緊接著下一個挑戰的案子,將有機會把台灣的國產材運用於建築語彙,但不論是什麼規模的委託案,他都期許自己能盡心盡力地將台灣林木業與產業端結合;也因為他既是設計者(Designer),也是施作者(Maker),透過雙手,他思考木建築更多的發展可能,並於近期成立「森林木人」工作室,時刻提醒自己永不忘記與樹木為伍的初衷。最後,郭恩愷感性的說,執業過程所面臨的挑戰對他來說都不是辛苦,因為他做的是自己很執著且著迷的事情,也想鼓勵年輕設計者,「世界很大、台灣很小,但當你有滿滿熱誠專注做一件事,台灣能量可以很大」,當你找到願意一輩子義務反顧投入的事情,是種幸福。知名導演侯孝賢獲頒金馬獎終身成就獎時所言:「感動別人前先感動自己」,就如同郭恩愷的所作所為,他將山林帶給他的悸動注入全心全意完成的作品中,藉由自己的雙手,與大家述說屬於森林的精彩故事。 郭恩愷帶領淡江建築系學生組隊「森林木十人」,前往新竹縣橫山鄉的正昌製材廠產業見學,與小老闆梁國興先生合影。 資料及圖片提供」郭恩愷、台灣設計研究院 採訪」陳映蓁

專訪台灣設計研究院 張基義院長

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「設計」正以前所未有的速度影響全球,它在國家經濟、文化、社會當中所扮演的角色重要性與日俱增,因此政府於2020年成立國家級設計研究院「財團法人台灣設計研究院」(Taiwan Design Research Institute, TDRI),運用「設計力」整合政府跨部會的資源,期許設計成為重要的施政價值和發展策略,並持續引領產業和社會永續發展,增進國民生活價值。作為設計界的領航者,《室內》雜誌特別專訪台灣設計研究院張基義院長,請他分享對台灣設計發展的觀察和願景。 張基義:培養設計的「跨域人才」,是未來發展的主軸 Q 台灣設計研究院的前身為台灣創意設計中心,兩者最大的差別? 台創時期主要是在培養設計專業人才,以及推廣輔導設計相關活動,較偏向價值的實踐。升格成台灣設計研究院後,則專注於執行設計政策、社會服務和公共服務等面向,需積極向下打底,做設計生活美學教育、導入五感體驗等,最重要的是,培養「設計跨域人才」,無論是公部門或民間企業,都希望可以透過設計,創造價值,我自己也期許設研院可以成為跨領域者聚集的平台,而非僅是專業者的交流平台。 張基義院長參與台灣設計研究院舉辦的活動之側拍。 Q 今年金點設計獎執行期間適逢疫情盛行,在收件、評選上是否有進行方針調整?而疫情又為全世界的設計圈帶來什麼影響? 2020年對全世界來說都是很特別的一年,人類可說是沒碰過這麼大規模的疫情,完全打亂了全球各方面的佈局。金點設計獎是一個由台灣出發,面向全球的獎項,每年都會邀請國際知名的設計師一同加入評審行列,由於疫情關係,今年大師們無法親臨現場實際參與評選,但藉由線上視訊的方式,他們不僅全程參加,也有更多時間與國內的評審們互動討論;我們也擴大了今年的國際深度,過往僅決選時才有國際評審的加入,今年則於初選及複選皆有。我個人觀察到,雖然疫情使人們無法自在地飛行或跨越邊境,但透過網路模式,反而使國際連結更為即時和直接,以我自身為例,我有幸擔任世界設計組織(WDO)的理監事,往年都是一季開一次理監事會議,現在則改為每個月線上開會,大家互動的機率更為頻繁;另外,因為發生了無法預期的病毒肆虐,全球的設計開始大量關注人類共同面對的議題,如社會、醫療、永續設計等,也開始進行改變系統、跨領域、跨世代共創與合作等事項,疫情是個大挑戰,但或許也帶來了些許助力。   Q 在防疫、醫療設計方面,您覺得台灣可發展的優勢有哪些? 大家都覺得台灣很小,台灣確實小,但也因為小,只要有一個好的觀念,就很容易結合設計和製造,做跨界合作,這份彈性反而是未來面對國際的優勢。就像這次疫情期間,台灣在醫療數位管控有良好的發揮,口罩也能快速即時的配發給大眾;在經濟部與衛福部合作之下,設研院也於輔大醫院策劃了智慧防疫病房,設計力的整合,讓民眾看到跨單位合作的契機。 台灣設計研究院所策劃的智慧防疫病房。 Q 請談談台灣設計研究院的角色定位。 設計不是單一面向,應該是跨領域的整合,設計力的導入,可以帶動國家創新,創造品牌的軟實力,而設研院在推動設計力的過程中,很重要的環節就是要「打開同溫層」。我們把整體設計力分成金字塔的三個部分,一般常見的設計專業、產業輔導等多屬於中間階段,除此之外,設研院更計畫由教育和生活面切入,著重於面向大眾的基礎打底,架構更扎實的基盤,提升設計、美學的觀念;如何將設計力引入金字塔頂端的公部門決策階層及民間企業高層,亦是設研院的關注的焦點,現在有許多地方政府開始重視城市設計,我覺得這是好現象,在民間,由於台灣中小企業居多,在產業快速變動的現實下,應該形成聯盟,再佐以設計創新的可能,藉此與國際競爭。這些都是設研院的任務和定位。   「公共消防設備再設計」是由設研院、內政部消防署等單位共創合作,針對「公用滅火器」和「室內消防栓箱」提出兼具安全、便利、美感的消防設備示範。 Q 在數位行銷的年代,如何拉近設計與民眾的距離?又該如何將美感教育向下紮根? 教育部和設研院都有持續在推動美感教育,不管是課程、教科書,或是空間等,希望提供學子有別於傳統的教育設計環境,另一方面,各種展覽的推廣如台灣文博會、台灣設計展等,皆已跳脫商展交易的模式,而是由台灣的文化論述、地方品牌、地方城市治理等方面,進行統整後的呈現。因為疫情,大家開始反思生活的意義,也更願意去追尋心中理想的生活畫面,如何提供更有品質和高端的五感體驗,設計是不可或缺的驅動關鍵,所有產品都需要經過設計,才有可能更貼近日常。至於如何透過數位模式拉近與民眾的距離,設研院將設計作為一種溝通方式,除舉辦實體展覽外,我們更全力發展線上形式,例如社群媒體的規劃,或我自己也在台北電台開了一個叫「設計台灣」的podcast,分享台灣豐沛的設計能量和人才,這些受眾都不是設計師們,而是一般民眾。我期許設研院可以成為台灣設計內容的產出者,並透過各種載體推廣和鏈結。   「北花線公運美學計畫」是設研院在公共服務領域推動的一項示範計畫。改造11輛新車,從車體外觀、資訊設計、車體內裝優化等項目著手,顛覆民眾對公共運輸的刻板印象。 Q 您對於未來台灣設計的願景與期待。 「設計改變台灣,世界看見台灣」,這句話雖然像是呼口號,但是我的衷心期盼。這十幾年來,大家逐漸理解設計不單只是造型和美學,而是應該可以改變流程及策略,我對於設研院的領導方針也很清楚,就是希望能夠藉由導入設計力,帶動產業、企業、社會的創新;從今年的金點設計獎中也可以觀察到,全球的設計者面對各式挑戰,皆嘗試利用設計回應問題、解決問題,企圖建構新的生態性,也創造一片新藍海。 資料及圖片提供」台灣設計研究院 採訪」陳映蓁